Präsentiert von ByteFM, bedroomdisco & ThePick.de.

Hinter Passion Mango steckt Songwriter und Sänger Connor Wilkinson. Er stammt aus dem regnerischen Vancouver in British Columbia, und sein feinfühliger, charakteristischer „West Coast Style” spiegelt den Sound seiner Heimatstadt im pazifischen Nordwesten wider. Beeinflusst von vielen Genres wie u.a. Grunge, Shoegaze, Punk, Folk, Hip-Hop usw.), liegen die Wurzeln des Sounds von Passion Mango hauptsächlich im Indie- und Alternative-Rock. In seinen Songs behandelt er Themen wie Trauer, Sucht, psychische Gesundheit, Desillusionierung aber auch die optimistische Hoffnung der Liebe. Passion Mango scheuen sich nicht, ihr Publikum mit einem Song zum Weinen zu bringen, um es direkt danach auf die Tanzfläche zu schicken!

Mit dem viralen TikTok-Erfolg der Single „Boy” haben Passion Mango sich eine treue weltweite Fangemeinde erschlossen und allein auf Spotify über 30 Millionen Streams erzielt. Die Band wird im März 2026 mit ihrem Album „Clean Slate” auf Europatournee gehen.

Honahlei ist ein Indie-Folk-Duo, gegründet von der costa-ricanischen Sängerin Michelle Gonzalez und dem österreichischen Musiker Kevin Etheridge.

Ihre Musik verbindet reiche Harmonien, gefühlvolle Texte und warme akustische Texturen und kreiert so einen Sound, der sich frisch und vertraut zugleich anfühlt. Der Name Honahlei ist inspiriert vom mythischen Land von „Honah Lee“ aus dem 60er-Jahre-Klassiker „Puff the Magic Dragon“ und spiegelt den Sinn des Duos für Wunder, Nostalgie und Zeitlosigkeit wider.

Seit der Gründung von Honahlei im Jahr 2024 haben sie bereits Millionen von Streams gesammelt, zwei Wochen in Folge die Soundportal-Charts angeführt und als Support für Sean Koch durch Europa getourt. Ihr mit Spannung erwartetes zweites Album erscheint im Dezember 2025, und Honahlei bereitet sich auf ihre erste Europa-Headliner-Tour im Jahr 2026 vor, um ihren wachsenden Katalog zeitloser Songs live zu präsentieren.

Nach ihrem Album I HAVE VISIONS (2024) und Tourneen mit Katie Melua, Mick Hucknall (Simply Red) und Andrew Bird kehrt Susan Wolf mit ihrem neuen Album GOLD auf die Bühne zurück.  Feinste, warm brodelnde Americana Musik mit amerikanischen Folk,  Dobro – und Twangy Gitarren. Pedal Steel, Mellotron- und Wurlitzer-Sounds dürfen genauso wenig fehlen, wie 60´s Souls Elemente. Susan Wolf besticht dabei mit ausdruckstarker Stimme, die sie meist sanft und mit vielen feinen Nuancen anklingen lässt.

Wie die Morgensonne kehrt Susan Wolf mit ihrem neuen Album GOLD zurück ins Musikgeschehen: Kraftvoller und lebendiger als je zuvor glaubt die österreichische Wahl Dänin mittlerweile an den Zauber des Lebens. Denn Susan Wolf hat einen Heilungsweg hinter sich, den viele nicht für möglich gehalten haben: Im Alter von 23 erkrankte die Musikerin an Multipler Sklerose. Zehn Jahre später war die Krankheit bereits so fortgeschritten, dass die leidenschaftliche Sängerin und Gitarristin kaum noch am Leben teilnehmen konnte. Heute ist Susan Wolf gesund. Ihre Songs erzählen ihre Geschichte. Es erwartet sie ein sehr inspirierender Abend.

Ihre Musiker Nikolaj Heyman, Peter Dombernowski und Dennis Ahlgreen kennt man von internationalen Stars wie Tina Dico, Isobell Campbell, Giant Sand, Mark Lanegan.

Präsentiert von ByteFM.

Mit ihrem kommenden Album „The Lighthouse“ schlägt die niederländisch-britische Sängerin, Songwriterin und Komponistin Tessa Rose Jackson ein neues Kapitel auf: nach Jahren, in denen sie Musik unter dem Künstlernamen Someone veröffentlichte, und unter dem sie kunstvolle, elektronische Dream-Pop-Welten erschuf, legt sie nun ihr persönlichstes und ehrlichstes musikalisches Werk vor.

Entstanden an einem stillen Ort in Frankreich – genauer gesagt in einem Haus neben einem Friedhof – klingt „The Lighthouse“ wie ein Leuchtfeuer im Nebel: es geht um Verlust, aber eben auch um Mut und das Wiederfinden des eigenen Lichts. Inspiriert von Künstler:innen wir Beck, Joni Mitchell und Fiona Apple verwebt Tessa auf berührende Weise organischen Folk, cineastische Atmosphäre und introspektive Texte zu einem Werk voller Wärme und Tiefe.

In Songs wie „The Man Who Wasn’t There“, „Grace Notes“ oder „Wild Geese” reflektiert sie über verpasste Lebenswege, über Trauer und Dankbarkeit, über das Loslassen und das Weitergehen. Trotz des Themas Tod ist „The Lighthouse“ kein düsteres Album, sondern ein Werk des Trostes. Ein stiller, strahlender Beweis dafür, dass Nachdenken über das Ende auch bedeutet, das Leben umso tiefer zu spüren.

Tessa Rose Jackson ist eine Künstlerin, die schon früh gelernt hat, dass Leben und Vergänglichkeit untrennbar verbunden sind. Aufgewachsen in Amsterdam mit zwei Müttern und geprägt vom frühen Verlust einer Elternfigur, fand sie in der Musik einen Zufluchtsort – und eine Berufung. Ihr Gespür für Emotion, Klang und visuelle Kunst zieht sich bis heute durch alles, was sie erschafft.

Präsentiert von Irieites.de & Riddim Mag & ByteFM.

Das 2014 im spanischen Navarra gegründete Duo Iseo & Dodosound mixt auf elegante Weise Reggae und Dub mit Einflüssen aus Trip-Hop, Drum'n'Bass, Latin Music und Pop und gehört beim spanischsprachigen Publikum aktuell zu den angesagtesten und beliebtesten Acts, weit über die Grenzen der Reggae-Community hinaus.  Ausverkaufte Clubs und Headline-Shows auf grossen Festivals in Spanien und Lateinamerika bezeugen ihren rasanten Aufstieg in den letzten Jahren.

Bereits 2019 begeisterten die beiden das deutsche Publikum unter anderem auf der Summer Jam. Im März 2026 kommen Iseo & Dodosound für vier exklusive Club-Konzerte 
nach Hamburg, Köln, Berlin und München, um ihr aktuelles Album "En la Tormenta" (deutsch: „Im Gewitter-Sturm“) und noch unveröffentlichte Songs zu präsentieren.

Präsentiert von Showgraphers.

Mit gerade einmal 18 Jahren gehört Marc Atlas zu den spannendsten neuen Stimmen der deutsch-internationalen Poplandschaft. Nach ersten Radioerfolgen und Auftritten bei großen Festivals veröffentlicht der Musiker aus Lohne am 20. März 2026 sein Debütalbum „Nothing To Lose“ – eine ehrliche, emotionale und zugleich kraftvolle Sammlung autobiographischer Songs über Verlust, Selbstfindung und das Erwachsenwerden in einer Welt voller Widersprüche.

Aufgewachsen in einer musikalischen Familie mit Wurzeln in Kasachstan, brachte sich Marc bereits als Kind selbst Klavier und Gitarre bei. Instrumente, die bis heute das Fundament seines Songwritings bilden. Seine Musik lebt von emotionaler Tiefe, klaren Melodien und einer unverwechselbaren Stimme, die Verletzlichkeit und Stärke zugleich transportiert.

Nach ersten Erfolgen mit Coverversionen in den sozialen Medien folgten eigene Songs, die schnell Aufmerksamkeit erregten. Mit „Falling Like A Stone“ erreichte er die Top 90 der Airplay-Charts, „Fool“ kletterte in die Top 70, und seine aktuelle Single „Midnight Sun“ bewegt sich Richtung Top 40. Parallel stand Marc als Support für Davina Michelle und Isaak auf der Bühne, spielte beim NDR2 Festival (20.000 Besucher), dem Yellow Festival (80.000 Besucher) und performte beim SWR New Pop Festival 2025.

Seine neue Single „Miss You“ (VÖ: 14.11.2025) gibt einen ersten tiefen Einblick in die Welt des kommenden Albums. Produziert von Patrick Salmy & Ricardo Muñoz (u.a. Zoe Wees, Udo Lindenberg, Michael Schulte, Adel Tawil), erzählt der Song vom Festhalten an einem Menschen, der längst gegangen ist – eine Hymne über Liebe, Verlust und das Bedürfnis, nicht loslassen zu wollen.

Der Album Fokustrack „Nothing To Lose“ spiegelt die Gegensätze eines jungen Lebens wider: den Druck sozialer Medien, die Suche nach Identität, Körperbild und Selbstwert, aber auch Hoffnung, Neuanfang und Euphorie. Marc hat in nur einem Jahr 45 kg abgenommen, was alsSymbol für seine Entschlossenheit und seinen unermüdlichen Willen, sich selbst zu finden steht. Seine Songs sind Tagebuch und Befreiung zugleich – ehrlich, intensiv und voller Herz. Mit seinem Debütalbum stellt Marc Atlas klar: Er hat nichts zu verlieren, aber alles zu sagen.

Am 28. März 2026 feiert er die Veröffentlichung mit einer exklusiven Release Show bei uns im Nochtspeicher (verlegt aus dem Turmzimmer!) und lädt dazu ein, Teil einer Reise zu werden, die gerade erst beginnt. Für den Oktober 2026 ist seine erste Clubtour durch Deutschland geplant, ein weiterer Meilenstein der noch jungen Karriere des Marc Atlas.

Präsentiert von ByteFM.

Seit 2018 gehört GA-20 zu den Vorreitern der traditionellen Blues-Renaissance. Das dynamische Trio im Retro-Stil widmet sich seit Langem der Schnittstelle von traditionellem Blues, Country und Rock ’n’ Roll. „Wir machen Alben, die wir selbst gerne hören würden“, sagt Gitarrist Matt Stubbs. „Es ist unsere Interpretation des songbasierten, traditionellen elektrischen Blues, den wir lieben.“ Stubbs, zusammen mit Gitarrist und Sänger Cody Nilsen und Schlagzeuger Josh Kiggans, hat es sich zum Ziel gesetzt, den traditionellen Blues in der modernen Roots-Musikszene ganz nach vorn zu bringen. „Unser Fokus lag schon immer auf der Geschichte, der Melodie und der Schaffung einer bestimmten Atmosphäre“, fährt Stubbs fort. „Traditioneller Country und Soul haben in letzter Zeit ein enormes Revival erlebt. Wir wollen unseren Beitrag dazu leisten, dass der traditionelle Blues eine ähnliche Entwicklung durchmacht.“

Flup·pe /Flúppe/ Substantiv, feminin [die]

steht umgangssprachlich für Zigarette. Sie ist mithin ein fast niedlich klingendes Wort für eine nicht ganz ungefährliche Sache. Hier und dort wird auch ein misslauniger Gesichtsausdruck als Fluppe bezeichnet. Beide Beschreibungen passen auf die Band ziemlich gut.

fluppe sind der Stengel, der in deinem Vorgarten nichts verloren hat, der Vogelschiss auf deinem Volkswagen. fluppe sind ein Post-Punk-Quartett aus der Hansestadt Hamburg, das ebenfalls ein Faible für Pop und Shoegaze hat. Der ehemalige Intro Chef Daniel Koch (u.a. Musikexpress, Diffus) schreibt: „(…) musikalisch kommen einem eher diese räudig-poetschen Post-Punk-Bands wie shame, Protomartyr oder auch IDLES in den Sinn.“ Kombiniert man dies mit der für die Hamburger Schule typischen Haltung und Skepsis gegenüber den bestehenden Verhältnissen, so hat man in etwa die Koordinaten zusammen. Mehr braucht man nicht.

Die Fluppe ist feminin.

Just Mustard - the Dundalk, Ireland-based band of Katie Ball, David Noonan, Mete Kalyoncuoğlu, Rob Clarke, and Shane Maguire have announced their new album WE WERE JUST HERE and shared the surging, late-night indebted title track. WWJH is set for release on October 24 via Partisan Records. WWJH was produced by Just Mustard, mixed by David Wrench (Frank Ocean, FKA Twigs) and recorded at Black Mountain studio, Dundalk.

Across their first two albums - 2018’s Wednesday and their 2022 Partisan debut Heart Under - the band “rode a wave of noise to the front of the shoegaze pack, breaking from the distorted yearning of the genre’s softer acolytes” (Pitchfork). While Just Mustard’s signature elements are still intact on WE WERE JUST HERE—warped guitars, twisted sound design and cavernous low ends—this time, it’s all been channeled into a warmer and more anthemic path. Whereas Heart Under explored themes of grief and longing, the songs here draw from a wide spectrum of emotion and feeling, with characters searching for ecstasy, holding onto love, and grasping for the rush of feeling alive.

On the title-track, Just Mustard repurpose their sound into something that feels distinctly euphoric, whilst having a sense of intensity beneath it all. The core elements remain, Katie Ball’s echoing vocals, guitars chiseled into jagged industrial edges but the outcome is far different. It feels communal, the sound of sweat falling from nightclub ceilings, paired with a trance-like Lynchian disorientation. The track is supported by a video directed by Greg Purcell.

It is emblematic of the sound of WE WERE JUST HERE, an album that reaches for human connection after the beautifully hewn solipsism of 2022’s acclaimed Heart Under. Inspired by club spaces and physical joy, the songs strive for immediacy and feeling. The announcement follows the dizzying whirr of “POLLYANNA”, released earlier this year alongside the news of a select run of shows in intimate venues, which provide a rare opportunity to experience the band’s enveloping sound in close quarters. The band’s previous album Heart Under received praise from The Independent, Pitchfork, NME, The Daily Telegraph, Loud & Quiet and more. The band subsequently went on a world tour and were handpicked by Robert Smith to support The Cure, as well as performing with Depeche Mode and Fontaines D.C. Stay tuned for more news.

New Yorker Funk-Band bricht Genre-Grenzen auf und entwickelt wingängigen Sound 2026 Live in Hamburg Was als Ein-Mann-Aufnahmeprojekt von Komponist und Multiinstrumentalist Seth Applebaum begann, hat sich zu einer kraftvollen Live-Band entwickelt, die Musikfans weltweit in ihren Bann zieht. Ghost Funk Orchestra erschafft ein klangliches Kaleidoskop, das sich jeder Genre-Einordnung widersetzt und dabei starke Einflüsse aus Soul, Psychedelic Rock, Salsa und darüber hinaus vereint. Nun kommt die Formation nach Hamburg. Die einzigartige Genre-Verschmelzung des Ghost Funk Orchestra führte sie bislang auf legendäre Festivals wie das Montreal Jazz Festival, Treefort, Telluride Jazz, Otis Mountain Get Down und das BRIC's NYC Winter Jazz Festival – ein Beweis für ihre vielseitige Musik. Zurecht beschreibt der New Yorker Blog Post-Trash ihren Sound als „psychedelische Odyssee traditioneller Klänge, die auf nicht-traditionelle Weise dargeboten werden." Auch Bandcamp, lobt die Fähigkeit der Band, „kein funkverwandtes Genre unerforscht zu lassen." Experimentierfreude ist der Schlüssel zum Erfolg von Ghost Funk Orchestra. Ihre Unberechenbarkeit zieht Musikliebhaber aus aller Welt an, die gespannt verfolgen, was sie als nächstes aus dem Hut zaubert. In einer Zeit musikalischer Schubladendenken brechen Ghost Funk Orchestra alle Konventionen und erschaffen dabei völlig neue Hörerfahrungen.

Eine Stimme, so mächtig wie der Bart – das können nur wenige von sich behaupten. Der kanadische Folk-Sänger Ben Caplan wirkt in vielerlei Hinsicht einnehmend und kraftvoll, zugleich aber auch introspektiv und sanft. Mit seiner melodramatischen, eigentümlichen Romantik gilt er seit über 15 Jahren als einer der außergewöhnlichsten Künstler der modernen Folkszene.

Aufgewachsen im kanadischen Hamilton, spielte Caplan schon als Teenager Gitarre. Mit 19 beschloss er, als Singer-Songwriter seinen eigenen Weg zu gehen. Seit 2006 stand er gemeinsam mit seiner Band „The Casual Smokers“ auf unzähligen Bühnen, und arbeitete parallel an seinem Debüt-Album „In The Time of the Great Remembering“, das 2011 veröffentlicht wurde. Schon hier zeigte sich sein unbedingter Wille, jeder Kategorisierung zu entgehen: Zwischen modernem Folk, der reichen Tradition osteuropäischer Volkslieder und klassischen Balladen spannt er ein breites musikalisches Spektrum. Und immer im Zentrum: Seine unverkennbare Stimme.

Meist ein tiefer Bariton, kann sie ebenso schreien, flüstern, hauchen oder sanft singen – Emotion pur. Diese Ausdruckskraft brachte ihm begeisterte Kritiken und mehrere kanadische Musik-Preise ein. Auf dem Nachfolge-Werk „Birds with Broken Wings“ (2015) wirkten über 30 Instrumentalist*innen mit. Das dritte Album „Old Stock“ widmete sich 2018 im klassischem Theaterformat den Themen Migration und Identität. Es folgten „recollection (reimagined)“ (2021) und „Old News“ (2022).

Nun ist Ben Caplan zurück. In seinem jetzt erscheinenden fünften Studioalbum „The Flood“ geht es um die großen Themen: Verlust, Resilienz und Erneuerung – wie finden wir einen Weg nach vorn in einer Welt, die auf so viele Arten gleichzeitig zu zerfallen scheint? Und wie lässt sich dieser Schmerz in Stärke verwandeln? Wie all seine Arbeiten ist auch „The Flood“ ein kraftvolles, poetisches und zutiefst menschliches Kunstwerk. Offensichtlich wurde dieses Album für die Bühne geschaffen: Die fließenden Übergänge und dynamischen Arrangements schreien geradezu nach einem immersiven Erlebnis. Denn Ben

Caplans Musik wird nicht einfach gespielt – sie wird gelebt. Seine Präsenz auf der Bühne ist mitreißend, energiegeladen und überlebensgroß. Wer ihn einmal live erlebt hat, weiß, dass er jedes Publikum im Handumdrehen verzaubert. Knapp 2000 Auftritte in 27 Ländern sprechen für sich. Im Frühjahr 2026 kehrt Ben Caplan endlich auf die europäischen Bühnen zurück - und macht dabei auch sechsmal Halt in Deutschland.

Lovesick ist eine Band, die Country, Western Swing und Rock’n’Roll spielt. Sie haben sechs Studioalben veröffentlicht, das neueste – „Remember My Name“ – erschien im Juni 2024. In den Jahren 2024 und 2025 absolvierten sie zwei Tourneen in den USA und wurden für die Ameripolitan Music Awards in Austin, Texas, in der Kategorie „Western Swing Band“ nominiert. Diese Nominierung würdigte sie als eine der interessantesten Bands des Genres weltweit. 

Die Band wird von Paolo Roberto Pianezza (Gitarre, Gesang) und Francesca Alinovi (Kontrabass, Gesang) geleitet und ist seit 2015 mit eigenen Veröffentlichungen und internationalen Tourneen aktiv. Mit über 400 Konzerten in Europa und den USA spielen sie ausschließlich eigene Songs und verbinden amerikanische Wurzeln mit einem persönlichen und unverwechselbaren Songwriting-Stil. Sie teilten die Bühne bereits mit Künstlern wie Ben Harper, Tommy Emmanuel, Toquinho, JD McPherson, Zucchero und spielten auf großen Festivals neben The Offspring, Social Distortion, Walter Trout, Ten Years After und anderen bekannten Namen der Szene. Sie traten außerdem als Vorband von Zucchero Fornaciari in der RCF Arena Campovolo vor 35.000 Zuschauern auf, sowie an historischen Orten wie dem Valle dei Templi in Agrigent und dem Griechischen Theater in Syrakus.

„Remember My Name“, erschienen am 28. Juni 2024, wurde in Los Angeles aufgenommen und ist das sechste Studioalbum der Band. Es wird weltweit von DixieFrog Records (Europa), MGM Distribution (Australien und Neuseeland) und Edgewater Music Group (USA, Kanada und übrige Welt) vertrieben und unterstreicht damit die künstlerische und internationale Identität der Band.

Bis heute hat Lovesick über 19.000 Tonträger komplett unabhängig verkauft. Paolo und Francesca waren auch im Film- und Fernsehbereich tätig: Sie spielten im Film „Lamborghini – The Man Behind the Legend“, in der Fernsehserie „Speravo de morì prima“ (basierend auf der Karriere des Fußballspielers Francesco Totti) und in der internationalen Serie über Oriana Fallaci mit, die 2025 erschien.

Präsentiert von ByteFM.

Nach acht Jahren Pause melden sich The Barr Brothers mit ihrem vierten Studioalbum „Let it Hiss“ eindrucksvoll zurück. Das Werk steht für Aufbruch, Ehrlichkeit und Wiederentdeckung – ein Album, das Unvollkommenes feiert und den rohen, lebendigen Sound der Band neu entfacht.

„Wir haben aufgehört, so zu tun, als wäre schon alles gut, und angefangen, wirklich hinzuhören“, sagt Andrew Barr. Produziert wurde das Album von den beiden Brüdern selbst in ihrem Studio in Montreal, mit tatkräftiger Unterstützung von Jon Low (The National, Taylor Swift, Bon Iver). Musikalisch verbindet ihr neues Album aber ähnlich wie ihre bisherigen Werke handgemachten Folk, Americana und experimentelle Indie-Klangfarben – mal intim und leise, mal dynamisch und voller Spielfreude. Highlights wie „Run Right Into It“ , „English Harbour“ und „Moonbeam“ zeigen die Band in absoluter Bestform: ehrlich, offen und ungeschliffen.

Nach einem Auftritt im Vorprogramm von Mumford & Sons im November 2025 in Berlin werden The Barr Brothers demnächst diese neue Energie endlich wieder auch bei eigenen Shows in Deutschland live auf die Bühne bringen. Fans dürfen sich auf mitreißende Abende freuen – zwischen leisen Momenten und purer, elektrisierender Spielfreude.

Präsentiert von countrymusicnews.de

Corb Lund ländlicher Albertaner aus den Ausläufern der Rocky Mountains, der aus einer langen Familiengeneration von Ranchern und Rodeo-Leuten stammt – ist so authentisch, wie man nur sein kann, und gleichzeitig schwer in eine Schublade zu stecken.
Der kanadische Singer-Songwriter aus dem Westen ist ein schwer fassbarer Künstler – auf der Bühne, abseits der Bühne und im Studio. Er bewegt sich mühelos zwischen Outlaw-Country, Western und Indie-Folk, immer mit ehrlicher Neugier und leidenschaftlicher Hingabe an jedes dieser Genres. Er wuchs mit dem altbewährten DIY-Motto auf: „Wenn du willst, dass etwas erledigt wird, musst du es selbst machen.“ So startete er seine Karriere: Aufnahmen im Keller, eigene T-Shirts drucken, Touren selbst buchen, Manager und Pressearbeit in Personalunion – was auch immer nötig war, um es durchzuziehen.
Jahrelang tourte er mit der Indie-Metal-Band the smalls, bevor er sich dem Schreiben von Western-Songs zuwandte und dabei einen ganz eigenen, schrägen und einzigartigen Hybrid-Stil entwickelte. Er erhielt zahlreiche nationale und internationale Nominierungen und Auszeichnungen. 2022 gewann er seinen 14. Canadian Country Music Award und gab sein Debüt in der legendären Grand Ole Opry.
Sein letztes Album mit eigenen Songs, El Viejo, erschien im Februar 2024.

Hayes Carll predigt nicht und belehrt uns auch nicht großartig – er hat null Bock, uns zu sagen, wie wir zu denken oder zu leben haben. Stattdessen zeichnet er einfach seine eigene Landkarte durchs Leben: Er dreht die Lautstärke runter, schaltet den ganzen Krach aus und hört endlich auf seine echte Stimme – die ehrliche, die konsequente und oft genug ziemlich unangenehme.We’re Only Human ist inzwischen sein zehntes Album (das zehnte Studioalbum, um genau zu sein – released August 2025, und seit Januar 2026 gibt’s sogar ’ne schicke Deluxe-Edition mit extra Tracks). Wie seine besten Texte ist auch das hier ein unterschätztes Meisterwerk: ein super ehrliches Foto von einem Typen, der sich mit den größten und gleichzeitig intimsten Fragen der Menschheit auseinandersetzt – und dabei auch noch Spaß dran hat. Wo finden wir Vergebung für uns selbst und Gnade für die anderen? Wie halten wir den Kopf ruhig und bleiben im Moment? Wem oder was können/können wir eigentlich vertrauen? Und wie zum Teufel kriegen wir uns selbst in diesen verrückten Zeiten wieder fest verankert?Das Album gibt uns die Chance, Hayes beim Selbst-Zuhören zuzuhören.

Da muss tatsächlich erst eine italienische Band kommen, um der Bluegrass-Gemeinde in USA zu zeigen, wie die Musik in den goldenen 50er Jahren des Genres geklungen hat. Ohne jegliche Modernismen führen die fünf Italiener zurück zum wilden, rauen und energiereichen Sound der frühen Jahre. Dabei klingen sie nicht nur frappierend nah an den Originalen (von denen keiner mehr wirklich aktiv ist), sondern sehen auch aus, als wären sie einer Show dieser Zeit entsprungen.

Detailverliebt zeigen sie sich in cooler stilsicherer Bühnenkleidung und benötigen (wie bei einer Show in einer Scheune im tiefen Hillbilly Country) nicht mehr als ein einziges Mikrofon, um das sie sich dynamisch und doch komplex choreographisch gruppieren. Ihr intensiver, mehrstimmiger Gesang klingt wie auf einer alten Schallplatte und verrät praktisch keinen Akzent, wie selbst ein Kritiker des bedeutendsten Fachblatts „Bluegrass Unlimited“ bewunderte. Mit einem der wichtigsten und typischen Elemente der frühen Zeit, der humorvollen und abwechslungsreichen authentischen Bühnenshow sowie ihrem italienischem Charme begeistern sie jedes Publikum. 

Gegründet wurde die fünfköpfige Gruppe von zwei Legenden der italienischen Szene. Da ist Mandolinist Matt Ringressi, fanatischer Schallplattensammler, Kulturkenner und Spezialist der Mode der 40er und 50er Jahre. Die ersten Banjoklänge hörte er mit drei Jahren in der Muppet Show (!), wechselte dann zu Geige und Mandoline und war schon auf vielen prestigeträchtigen Bühnen weltweit Gast. In seinem dynamischen Mandolinen-Spiel finden sich Bluegrass, Country und Rockabilly Einflüsse. 

Ihm zur Seite steht Ruben Minuto,kraftvoller und stilsicherer Sänger der Extraklasse. Seine Karriere führte ihn immerhin auf das zentrale und größte Bluegrass Festival IBMA ebenso wie auf das Chicago Blues Festival und eine Menge anderer Bühnen weltweit. Mit kraftvollem Rhythmus-Gitarrenspiel treibt er die Band in den typischen „Groove“, ohne den gute Bluegrass Musik nicht funktioniert. 

Am original 5string Banjo von 1954, mit explodierender Energie, steht Germano Ciavone. Er spielt im essentiellen „Scruggs“ Style (benannt nach Banjo Urvater Earl Scruggs) und ist ein profunder Kenner der „early days of Bluegrass“. Wenn er aus dem Hintergrund mit seinem Instrument für ein Solo nach vorne ans Mikrofon springt ist Szenen-Applaus angesagt. Nebenbei beschäftigt er sich mit Zügen, vor allem alten Dampfloks, einem zentralen Thema der alten Country Musik. Am skurrilen Dobro, einer Art Hawaiigitarre, die man mit einem Stahlstab waagrecht vor dem Bauch spielt, findet sich Denny Rocchio. Seine großen Einflüsse sind Oswald Kirby und „Uncle“ Josh Graves, (Father of Bluegrass Dobro) Die Rhythmusmaschine des Ensembles ist Emanuele Valente am Kontrabass, den er auf verschiedene typische Arten spielt.

Präsentiert von Good Times, Classic Rock & ByteFM.

1970 auf Canvey Island, Essex, gegründet, erreichte Dr.Feelgood mit ihrem Album „Stupidity“ nach ihrem No.1 Erfolg in den U.K. Charts Fans aller Coleur. Weitere Erfolge mit Single Veröffentlichungen folgten mit Songs wie Roxette, Back in the Night, Milk and Alcohol, Down at the Doctors. Ihre Version von See You Later Alligator erhielt sogar Gold Status! 

Mit Kevin Morris am Schlagzeug, Phil Mitchell am Bass und Gordon Russell an der Gitarre stehen seit 1983 noch immer Musiker der letzten Besetzung um Original-Sänger Lee Brilleaux auf der Bühne. Er verstarb 1994 und wurde seit 1999 durch Robert Kane (früher The Animals) ersetzt.

Auch wenn Dr.Feelgood weiterhin Alben veröffentlicht, zuletzt „Live in Caen“ (2024) und „Damn Right!“ (2022), bleibt das eindeutige Markenzeichen ihre fesselnde Live-Show! Man kann die Energie noch immer spüren, mit der die Band einst die Musik-Clubs auf der ganzen Welt auseinandergenommen haben.

Rob Heron & The Tea Pad Orchestra sprengen seit über einem Jahrzehnt mit Begeisterung Genregrenzen und vermischen Rockabilly, Blues, Country, Swing, Soul und mehr zu einem musikalischen Schmelztiegel – und klingen dabei immer ganz nach sich selbst. Die Band, die in Newcastle beheimatet ist, aber aus ganz Großbritannien stammt, hat fünf Alben veröffentlicht und ausgiebig in Großbritannien und Europa getourt. Ihre Auftritte reichten von Glastonbury und dem Cambridge Folk Festival bis hin zu Dorfgemeinschaftshäusern und Scheunen. Bekannt für ihre energiegeladenen Live-Shows und ihren trockenen Humor, tourten sie bereits mit Größen der Americana-Szene wie Pokey LaFarge, The Dead South und Sierra Ferrell. Ihre Musik erschien bei Sleazy Records (Spanien) und Migraine Records (Deutschland), sie waren mehrfach in der BBC-Sendung „Loose Ends“ auf BBC Radio 4 zu Gast und ihre Musik wurde von Größen wie Marc Riley und Huey Morgan gespielt.

Ihr sechstes Album „Feet First“ wurde in nur zwei Tagen in den Lightning Recorders in Berlin aufgenommen. Das Studio ist bekannt für seine authentischen Analogaufnahmen, live im Studio und direkt auf Band. Dieses „Einfangen eines musikalischen Moments“ ist auf der neuen Platte des Tea Pad Orchestra deutlich zu hören.