Präsentiert von Angst Booking, Picky Magazine, Rausgegangen & Ahoy Radio.

Mit rund 40 Millionen Streams und ausverkauften Shows gehören Naked Cameo längst zu den spannendsten Indie-Acts Österreichs. Mit ihrer Debütsingle „Luddite“ startete das Trio durch: Platz 1 der Viral Charts in Österreich, Top 6 in Deutschland, Nominierungen für die Music Moves Europe Talent Awards und Auftritte bei Festivals wie Reeperbahn, Donauinselfest, FM4 Frequency Festival und Eurosonic Noorderslag.

Was im Keller der Eltern begann, entwickelte sich Schritt für Schritt weiter. Lukas Maletzky, Patrick Pillichshammer und Maria Solberger machen seit ihrer Jugend gemeinsam Musik. Sie sind keine TikTok-Inszenierung, sondern eine Band im klassischen Sinn: drei Persönlichkeiten, die sich über Jahre eine stetig wachsende Fanbase erspielt haben. Zurück zu ihren Wurzeln – Indie, Rock und Pop – entsteht Musik, die bleibt. Zum ersten Mal alles independent und ohne Verträge.

In einer Zeit, in der alles sofort passieren muss, setzen Naked Cameo auf Zeit und Qualität statt Quantität. Jedes Jahr ein Album? Undenkbar. Musik entsteht aus Reibung, Zweifeln und Geduld. Der Weg dorthin ist hart. 2026 markiert ein neues Kapitel. Dieses Mal hat das neue Album drei Jahre gebraucht. Phase To Phase erscheint am 29. Mai 2026. Geprägt von Gitarrensounds und langen Harmoniefolgen, die untrennbar im Bogen der Melodie aufgehen, während alles rundherum ein tragendes, kontrastreiches Fundament bildet. Phase To Phase wird zunächst exklusiv über Bandcamp und auf Vinyl erhältlich sein. Ein mutiger finanzieller Schritt mit Mittelfinger an bestimmte Streamingplattformen.

Live gibt es pure Ehrlichkeit und Energie: Schweiß, Druck und Crunch statt glatter Inszenierung. Gitarren treffen auf treibende Drums und rohe Synths, nah am Publikum, ohne Sicherheitsabstand. Jede Show wird zu einem intensiven Moment zwischen Band und Crowd.

Präsentiert von concert-news.de

Black River Delta, das Bluesrock-Trio aus Bollnäs, Schweden, hat sich seit seiner Gründung mit einem rauen und gefühlvollen Sound, der tief in den schwedischen Wäldern von Hälsingland verwurzelt ist, einen Namen gemacht. Aufgewachsen zwischen Kiefernwäldern, Schotterstraßen und langen Wintern, vereint ihre Musik auf einzigartige Weise Dunkelheit, Melancholie und Energie – Einflüsse von Blueslegenden treffen auf modernen Rock. 

Die Band hat bereits die gefeierten Alben „Devil on the Loose“ (2016), „VOL II.“ (2018) und „Shakin’“ (2021) veröffentlicht und ihren Sound durch Einflüsse von Robert Johnson und R.L. Burnside bis hin zu zeitgenössischen Acts wie The Black Keys, Gary Clark Jr. und BRMC geprägt. Anstatt sich an amerikanischen Landschaften zu orientieren, lässt sich Black River Delta von dem inspirieren, was ihnen am nächsten liegt – den umliegenden Wäldern, den Straßen entlang der E4 und der ständigen Spannung zwischen dem Wunsch zu gehen und dem Wunsch zu bleiben. 

Später in diesem Jahr veröffentlicht die Band ihr neues Album über Despotz Records. Auf dem kommenden Album kehren sie zu ihren Wurzeln zurück und vertiefen ihren Sound – eine Mischung aus modernem Rock und klassischem Blues, durchdrungen von nordischer Melancholie, in der Stille, Dunkelheit und Einsamkeit ebenso viel Gewicht haben wie die Musik selbst.

Präsentiert von Ahoy Radio.

Gordis neue EP „Nylon“ schaffte es bereits vor ihrer Veröffentlichung in die Charts. Sie nahm das Werk an einem einzigen Nachmittag live auf Band auf – ohne Overdubs und ohne Nachbearbeitung – und spielte die neuen Songs ihren Fans auf ihrer Australien-Tournee vor, wobei sie am Merchtisch danach dann jede einzelne Vorabkopie verkaufte, noch bevor das Internet überhaupt von dieser Neuveröffentlichung Kenntnis erlangte.

Seit ihren ersten beiden Alben „Reservoir“ und „Our Two Skins“ (2017 bzw. 2020, auf Jagjaguwar) hat sich Gordi allein durch die Stärke ihres Songwritings – sparsam, präzise und auf stille Weise erschütternd – eine treue Fangemeinde aufgebaut. Sie trat bereits gemeinsam mit Bon Iver, The National und Sam Smith auf und arbeitete mit Troye Sivan und Julien Baker zusammen.
Ihr drittes Album „Like Plasticine“ schöpfte aus ihren Erfahrungen als praktizierende Ärztin während der Pandemie. Das Album erhielt eine ARIA-Nominierung und wurde bei NPR „All Songs Considered“, BBC 6 Music und Sirius XMU gespielt; dazu kamen Plakatwerbungen am weltberühmten Times Square – was alles schließlich in Live-Auftritten bei „CBS Saturday Morning“ und „The Kelly Clarkson Show“ gipfelte.

Nach einer ausverkauften Australien-Tournee kehrt Gordi im Herbst für ein paar ausgewählte Konzerte nach Europa zurück.

Bei Rockmusik geht es um Ausdruck, und kaum jemand versteht das besser als der aufstrebende Star D3LTA. Der britisch-griechische Künstler ist dazu prädestiniert, mit seinem Debütalbum „Mad About It“ Eindruck zu hinterlassen – einer berauschenden Mischung aus zeitgenössischen und klassischen Einflüssen (von Talking Heads über David Bowie bis hin zu Twenty One Pilots), die den Rahmen für relevante Themen wie psychische Gesundheit, jugendliche Desillusionierung, Sehnsucht und Isolation bilden.

Präsentiert von Nochtspeicher, Yeehaw Hamburg & TheWolfRadio.

Jahre vor der Veröffentlichung von OH/KY – seinem rauen, vom Rust Belt geprägten Debütalbum – wuchs Jeremy Pinnell in der Nähe des Ohio River auf, umgeben von Klängen so weit wie der Himmel des Mittleren Westens. Merle Haggard, Concrete Blonde, Tom Petty, AC/DC und Gospel-Hymnen formten einen Songwriter, dessen Musik weit über Kentucky hinausreichen sollte. 

Nach vier Alben kehrt Pinnell mit „Decades“, seinem bisher eingängigsten Album, zu diesen melodischen Wurzeln zurück. Produziert vom zweifachen GRAMMY-Gewinner Shooter Jennings, greift das Album auf die Radiohits seiner Jugend zurück. „Ich liebe große, melodische Songs, die von ernsten Themen handeln“, sagt Pinnell. „Ich wollte, dass ‚Decades‘ persönlich, aber gleichzeitig unterhaltsam ist.“ 

Entstanden nach Jahren auf Tournee – und in der Stille nach der Pandemie – reflektiert „Decades“ über Bewegung, Sinn und Wandel. „Barabbas“ erinnert an seine kirchlichen Wurzeln; „Come Home To Me“, „Too Much Sugar“ und „Dallas“ erkunden Liebe, Glauben und Erlösung mit gleichermaßen viel Kraft und Anmut. Das Album „Decades“, live in Los Angeles mit Jennings und einer All-Star-Band aufgenommen, zeigt Pinnell so offen und unverfälscht wie nie zuvor. Ein Jahrzehnt nach seinem Debüt ist er immer noch auf der Suche nach dem perfekten Song – er sprengt Konventionen, verbindet Roots-Musik mit Rock und findet Licht im Zwischenraum.

Präsentiert von ByteFM.

Bitchin Bajas sind ein in Chicago ansässiges Trio, bestehend aus Cooper Crain, Rob Frye und Daniel Quinlivan.

Seit ihrer Gründung im Jahr 2010 hat die Gruppe einen unverwechselbaren Ansatz für Ambient- und experimentelle Musik entwickelt, bei dem Synthesizer, Holzblasinstrumente, Orgeln und akustische Instrumente zu sich langsam entfaltenden, hypnotischen Kompositionen verschmelzen. Inspiriert von Minimalismus, „kosmischer Musik“, Jazz und elektronischer Musik erschaffen Bitchin Bajas immersive Klangwelten, die auf Wiederholung, Textur und allmählicher Transformation basieren.

Im Laufe der Jahre hat das Trio ein umfangreiches Werk geschaffen – größtenteils veröffentlicht über das Label Drag City – und mit Künstlern wie Bonnie „Prince“ Billy sowie der Natural Information Society zusammengearbeitet.

Bitchin Bajas traten auf Festivals wie Big Ears, Pitchfork Music Festival, Le Guess Who? und dem Jazzfest Berlin auf und präsentierten ihre immersiven Live-Performances einem Publikum in ganz Nordamerika und Europa. Ihr neuestes Album, *Inland See*, erschien 2025 und setzt die Auseinandersetzung des Trios mit elektroakustischer Synthese, Rhythmus und weitläufigen, Post-Ambient-Klängen fort.

Brosie nimmt euch im Herbst 2026 mit in ihre Welt: nahbar, bittersüß, laut – ein Pop-Star in the making für alle, die zu viel fühlen und zu wenig sagen. Apfelstrudel-born und Pfannkuchen-based spielt sie vier Shows in Deutschland, Cookies inklusive. Welcome to the BROSIEhood.

Wer sie schon mal live gesehen hat, weiß: Ihre Songs sind laut, ehrlich und treffen genau da, wo’s wehtut – mit genug Augenzwinker n, um den Schmerz erträglich zu machen. Nach ihrer Debüt-EP Waiting to be Discovered (2024) schlägt Brosie jetzt das nächste Kapitel auf. Ihre neue EP geht dahin, wo es unangenehm wird: alte Freundschaften, die langsam zerbröseln, Familienthemen, die sich durch Generationen ziehen, und das endlose Ringen mit der eigenen Vergangenheit. Aber statt im Selbstmitleid zu versinken, macht Brosie das, was sie am besten kann – sie verpackt es in große Melodien, scharfsinnige Lyrics und ihrem unverkennbaren Mix aus Indie-Attitüde und Pop-Abriss.

„Songwriting ist für mich Selbstschutz. Ich probier immer, den Humor und die Lektion in allem zu finden, es auf Papier zu bringen und einfach weiterzumachen. Das Leben ist halt viel zu kurz, um alles dreimal zu überdenken, sich monatelang selbst zu belügen oder der Wahrheit nicht ins Auge zu schauen.”

2025 geht’s nur nach vor n: Nach ihrem Sieg beim German Songwriting Award für Green Park startet sie mit einer Support-Tour für Biig Piig, Shows mit Y’akoto und The Lathums und jetzt ihrer neuen Single Don’t Get Me Wrong! (28. März) in ihr bisher persönlichstes Projekt.

Wie das klingt? Indie Poptimism at its best. Dreckige Gitarren, fette Drums, hymnische Vocals und Synth-Flashes aus den 80s. Avril Lavigne-Coolness trifft auf Oasis-Melodien mit einer Prise Hannah Montana-Attitude. Mal bittersüß, mal gnadenlos ehrlich – aber immer mit genug Drive, um nicht in Nostalgie stecken zu bleiben.

Tokyo Tea Room ist eine Band aus Margate in Großbritannien, die danach strebt, Musik zu kreieren, die von menschlichen Gefühlen inspiriert ist und Themen wie Sehnsucht sowie die Vergänglichkeit des Daseins erforscht. Diesen musikalischen Ansatz verpacken Beth Plumb (Gesang & Keyboard), Daniel Elliott (Gitarre & Songwriting), Ben Marshall (Bass) und Sam Theater (Schlagzeug) seit der Veröffentlichung ihrer Debüt-EP „Dream Room“ im Jahr 2019 in einem warmen, hypnotischen Sound zwischen Indie, Shoegaze, Dreampop und Electronic Music, der einen zeitlosen Vibe erzeugt und das introspektive Songwriting der Band umhüllt. Mit Songs wie „Forever Out of Time“, „It’s Me & You“, „Tell Me How“ oder ihrem Erfolgstrack „If You Love Her“ nimmt Tokyo Tea Room ihre Hörer mit auf eine Reise in ihre zarte und verträumte Welt, in der Leidenschaften wie auch Emotionen gleichermaßen aufblühen. Mit der Veröffentlichung ihrer zweiten EP „No Future `Plans“ (2022) setzte die Band ein erstes Ausrufezeichen, mit ihrem Debütalbum „No Rush“ (2025) folgte schließlich der bislang größte Erfolg, der seinem Namen laut dem Spill Magazine alle Ehre macht. Dass auch ihre Konzerte zu entschleunigenden und transzendenten Erfahrungen werden, bewies das Quartett auf seiner ausverkauften Debüt-Tour durch Nordamerika, wo sie ihren internationalen Durchbruch weiter festigten. Seitdem veröffentlichte die Band zwei weitere Singles, die auch als B-Seiten mit alternativen Versionen und Demos ihres Debütalbums auf der EP „Worlds Apart (B Sides, Alternatives & Demos)“ (2025) erschienen.

Präsentiert von concert-news.de.

Benannt nach einem der legendärsten Diner-Überfälle der Filmgeschichte, erobert die Prager Band I Love You Honey Bunny mit genau dieser Art von filmreifer, unberechenbarer Energie die Herzen der Zuhörer in ganz Europa. Gegründet von den vier Freunden Sebastian Jacques, Martin Šolc, Kristián Kraevski und Josef Keil, hat sich das Quartett von lokalen Indie-Lieblingen zu einem der fesselndsten Musikexporte Mitteleuropas entwickelt. Oft gelobt für ihre freche Bühnenpräsenz und ihre furchtlosen Klangexperimente, liefern sie eine unverwechselbare Mischung aus messerscharfen Gitarren, aggressiven Synthesizern und raumgreifendem Alternative-Pop, der direkt ins Herz trifft.

Doch lasst euch von den mitreißenden, tanzbaren Grooves nicht täuschen: Unter dem stadiontauglichen Sound verbirgt sich ein tiefgründiger, introspektiver Kern. Während ihr auf der Tanzfläche schwitzt, setzt sich die Band mit den Komplexitäten unserer Generation auseinander. Ihre Musik behandelt Themen wie psychische Gesundheit und gesellschaftliches Burnout, die chaotische Schönheit des Universums und den schmerzhaften Prozess des persönlichen Wachstums. Ihr drittes und ambitioniertestes Album „Don’t Look When I’m Changing“ (2025), entstanden in Zusammenarbeit mit den internationalen Produzenten Steven Ansell (UK) und Koen van de Wardt (NL), fängt diese Dualität perfekt ein. Es ist ein Album, das Verletzlichkeit und die Suche nach Identität in kompromisslose, euphorische Rockhymnen verpackt.

Wenn ihre Studioalben eine Reise in die Tiefen des Bewusstseins sind, dann sind ihre Live-Shows eine Befreiung für Körper und Geist. Mit über 500 Konzerten im Gepäck, darunter explosive Auftritte beim Sziget Festival, Eurosonic und dem kanadischen Envol et Macadam, wissen I Love You Honey Bunny, wie man eine unzerbrechliche, kathartische Verbindung zum Publikum aufbaut. Ein gutes Publikum ist ihnen genauso wichtig wie die Musik selbst, und sie betrachten jede Bühne als einen gemeinsamen Raum für Aufrichtigkeit und Intensität.

Mit ihrem neuen Album «The Killer» kehren Lost in Lona zurück auf die Bühne mit Musik, die berührt, entschleunigt und mitten ins Herz trifft.

Das Duo aus Basel, bestehend aus Lidia Beck und Konstantin Aebli, hat sich mit seinem feinfühligen Indie-Pop zwischen Folk, Melancholie und rohem Sound einen Namen gemacht. Nach Auftritten am Reeperbahn Festival, dem Openair St. Gallen oder dem Zermatt Unplugged gehen Lost in Lona nun das erste Mal mit ihrer fünfköpfigen Band auf Tour.

Die neuen Songs von «The Killer» handeln von Druck, Selbstzweifel und dem Mut, verletzlich zu bleiben und vom Erwachsenwerden zwischen Leistungsdenken, Liebe und Verlust. Zwischen all diesen Themen erschaffen Lost in Lona live eine dichte, inTme Atmosphäre, die sowohl zerbrechlich und leise als auch kraVvoll und laut sein kann.

MICHAs Liebe zur Musik begann schon früh. Bereits mit fünf Jahren spielte er seine ersten Lieder mit Unterstützung seiner Familie – eine Erfahrung, die den Grundstein für seine spätere Karriere legte. 

2023 startete er sein Soloprojekt und reiste nach Nashville, Tennessee, um seine musikalische Richtung weiterzuentwickeln. Anfang 2025 hatte sich MICHA zu einem vielversprechenden Singer-Songwriter entwickelt. Mit seiner kraftvollen und authentischen Stimme erreichte er ein breites Publikum. Er spielte einen ereignisreichen Festivalsommer, absolvierte seine ersten beiden ausverkauften Tourneen, erhielt zwei „Topsong“-Auszeichnungen von NPO Radio 2 und wurde von 3FM als Talent ausgezeichnet. 

2026 machte MICHA einen großen Schritt nach vorn mit einer Europatournee und gab mehrere Konzerte in den Niederlanden, Deutschland und Belgien, während er seine internationale Präsenz ausbaute. Im Sommer trat er auf großen niederländischen Festivals wie Concert at Sea, Appelpop und Dauwpop auf. Mit einem schnell wachsenden Publikum und einer authentischen musikalischen Identität blickt MICHA einem aufregenden nächsten Kapitel entgegen.

Morgan St. Jean gilt als eure „liebste aufstrebende, rebellische, feministische und sozial engagierte Pop-Prinzessin“ – doch erst ihre mitreißenden Live-Auftritte verwandeln den Hype in eine echte Bewegung. Durch die Verbindung explosiver Pop-Produktionen mit unverfälschtem Storytelling hat sich Morgan schnell einen Ruf als einmalige Künstlerin ihrer Generation erarbeitet. In den letzten Jahren wurde sie als Vorband für vier große Tourneen eingeladen, darunter eine Europatournee mit X Ambassadors. Sie trat beim SXSW, bei der „School Night“ in LA und beim „Lady Gaga x Global Citizen One World: Together At Home“-Konzert auf und hat kürzlich ihre erste eigene Headliner-Tournee durch Nordamerika absolviert – womit sie sich als beeindruckende Live-Künstlerin etabliert hat. Auch abseits der Bühne ist Morgan eine mit Platin ausgezeichnete Songwriterin und Künstlerin. Sie war Co-Autorin von Chappell Roans von der Kritik gefeierter Single „Casual“ (produziert von Dan Nigro), und ihre eigenen viralen feministischen Pop-Hymnen – darunter „Not All Men“ und „Do It Like A Girl“ – haben Hunderte Millionen Streams gesammelt und gleichzeitig eine äußerst treue globale Community aufgebaut. Mit einer wachsenden Fangemeinde, einer unbestreitbaren Bühnenpräsenz und Songs, die sich sowohl persönlich als auch universell anfühlen, ist Morgan St. Jean nicht nur eine Künstlerin, die man im Auge behalten sollte – sie ist eine Künstlerin, die man live erleben muss.

„Der Garten“ heißt Max Prosas neues Album und ist ein musikalischer Ort zum Verweilen. Es treffen darin Menschen auf Engel, Esel auf Könige, der Papst auf Johnny Cash, die Göttin Nacht schluckt die Sonne, es verpassen sich ewig Wartende und es finden sich ungleiche Liebende. Mittendrin ist man als Hörer*in immer schon nach wenigen Worten, denn Prosas Wesen tragen etwas in sich, das sie universell macht. Man sitzt im großen Figurenkabinett des Selbst. Die Musik kommt diesmal im Gewand einer Band mit Streichern daher. Max‘ langjähriger Wegbegleiter Magnus Bang Olsen hat diese spezielle Klangwelt arrangiert, ein mystischer Teppich, auf dem Stimme und Texte wirken können. Die häufig darunterliegende Wucht von Schlagzeug und Bass erinnert an Prosas Anfänge. Da tourte er mit seiner ersten Band im Schlepptau von Clueso auf dessen „An und für sich“-Tour und dann später auf eigenen Beinen durch das ganze Land. Damit hat er seitdem nie aufgehört, sagt er selbst.

Nach einer langen Phase von kleinen Besetzungen soll es nun eben auch wieder mit Band auf Tour gehen. Neben Magnus Bang Olsen sind noch Leonie Geißler und Ben Anderson dabei. „Die mitreißende Kraft einer Band habe ich in den letzten Jahren sehr vermisst“, sagt Prosa und wer ihn kennt, weiß, dass er neben den „Der Garten“-Liedern sicher einige alte Klassiker an Bord hat und fast noch sicherer einiges, womit niemand gerechnet hat. Sicherlich wird das „Verschwende Dich“ erklingen, das Hannah Herzsprung im letzten Jahr in einem Kinofilm interpretiert hat. Außerdem „Flügel“, mit dem Egon Werler 2022 die TV-Show „The Voice Kids“ gewann. Dass andere mit seiner Musik teilweise noch größeren Erfolg haben, als er selbst, stört ihn nicht. Er würde die Lieder “so spielen, wie sie entstanden sind. Welche Wege sie nehmen, liegt nicht in meiner Hand.“ Nach der Tour im März soll es im Sommer ein paar ausgewählte Termine mit den Streichern geben, um auch diesen Aspekt des Albums auf die Bühne zu bringen. Wie es dann weitergeht, weiß nichtmal er selbst. „Vielleicht ein Buch, vielleicht Musik. Es wird sich zeigen.“

So Soon um die Multiinstrumentalisten, Songwriter und Producer David Stöbener und Marco Braun schaffen Musik, die trotz eines impressionistischen Ansatzes im Sounddesign und Storytelling enorme Größe und Kraft entwickelt. Indie Pop und Folk verschmelzen mit Electronica und Postrock zu einem bewegenden Ganzen – sowohl auf den Aufnahmen, als auch in mitreißenden Konzerten mit voller Band.

So Soon sind nicht nur seit ihrer Jugend befreundet, sie machen auch seit Jahren zusammen Musik, haben in ihre Kunst investiert. Und das hört man den Kompositionen, der Produktion und jedem Konzert an: Vielschichtiges Songwriting, präzise Vocals, beeindruckender Sound und enorme Spielqualität verbünden sich zu einem magischen Ganzen. Autobiografische Snapshots, das

Aufwachsen in einer Welt, die viel bietet, aber auch viel verlangt, neblige Hoffnung, schwebende Melancholie: Die Themen der Songs. Songs mit fesselnder Tiefe, beeindruckende Vocals in schwereloser Harmonie, coming of age in reverb. Bereits So Soons Debüt “Whether You Like It Or Not” (erschienen 2024 via Clouds Hill) erzeugte ein enormes Echo und fand den Weg in viele Ohren und Herzen: Tausende Menschen auf den Konzerten, mehr als zwei Millionen Streams, erste Festivalauftritte, Platzierung in großen Playlisten (u.a. bei Fest&Flauschig), Radio und Pressefeatures und eine schnell wachsende Fanbase auf den Socials: Alles nur der Anfang.

The Cinelli Brothers haben eine Leidenschaft für die Musik der 1960er Jahre, eine Mischung aus Blues, Rock und Soul, und fügen einen Hauch von zeitgenössischem Stil hinzu, was sie zu einer aufstrebenden Größe in der Musikszene macht. Ihre Anziehungskraft ist grenzüberschreitend und zieht sowohl ein deutlich jüngeres Publikum zu ihren Konzerten, als auch die Ohren älterer Fans an, von denen viele mit der Art von Musik aufgewachsen sind, die diese aus Italien stammenden Brüder begeistert.

Was kann man bei einem Auftritt der Cinelli Brothers erwarten? Die Markenzeichen der Cinelli Brothers sind hohe Energie, großartiges musikalisches Können, Showmanship und Spaß, und es scheint zu funktionieren, denn das Publikum will sie wiedersehen, sodass Wiederholungen die Norm sind, nicht die Ausnahme!

FATCAT kommen mit einer Show zurück, die nicht nur Konzert sondern mehr Vollgas-Experience ist: funky, laut, emotional und absolut tanzbar. FOREVER steht für Nächte, die brennen – und für Musik, die man noch Wochen später spürt. Mit neuen Tracks, Fan-Favorites und jeder Menge frischer Energie liefern die acht Musiker ein Update ihres Sounds: dicker Groove, glänzende Disco- Vibes, fette Bläsersätze und Beats, die garantiert keinen stillstehen lassen. Und natürlich: Kenyatta Joyners Stimme – warm, kraftvoll, unverwechselbar.

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Als im Jahr 2019 beim belgischen Nachwuchswettbewerb ein Gitarrist krankheitsbedingt ausfiel, sprang Amber Piddington kurzerhand ein. Was als Notlösung begann, wurde zur Initialzündung für Kids With Buns – jenes Duo, das heute zu den spannendsten Indie-Stimmen Europas zählt. Marie Van Uytvanck und Amber Piddington tauften sich nach dem Song „Kids With Guns“ der Gorillaz und fanden in der Reduktion ihre Kraft: zwei Gitarren, eine ungewöhnlich tiefe Stimme, Texte, die nicht ausweichen.

Frühe Singles wie „Bad Grades“ und „1712“ machten rasch die Runde, der Sieg bei „De Nieuwe Lichting“ von Studio Brussel 2021 katapultierte sie ins Rampenlicht. „Bad Grades“ kletterte an die Spitze der Radiocharts und sammelte Millionen Streams. Doch Zahlen erzählen nur die halbe Geschichte. Entscheidend ist, wie diese Lieder klingen: wie leise Geständnisse im Halbdunkeln eines Jugendzimmers und zugleich wie Hymnen für jene, die sich „out of place“ fühlen.

Mit dem Debütalbum „Out of Place“ verschob sich der Fokus. Wo früher Bedroom-Pop flüsterte, dröhnt nun Indie-Rock. Inspiriert von Nick Drake, Ben Howard und der kompromisslosen Offenheit von Girl in Red, wagen Kids With Buns den Schritt ins Lautere. Seit sie von einer festen Band begleitet werden, mit Stijn Konings am Bass und Dajo Vlaeminckx am Schlagzeug, haben ihre Songs auf der Bühne ein neues Gewicht bekommen. „Wir wollten mehr rocken“, sagt Amber. Und tatsächlich: Stücke wie „Nothing New“ oder „The Balance“ tragen eine Wucht, die live erst ihre volle Dringlichkeit entfaltet.

Wer eines ihrer Konzerte erlebt, spürt, dass es hier nicht um Pose geht. Es geht um Teenage-Angst, um queeres Aufwachsen in einer oft noch homophoben Umwelt, um das Gefühl, Erwartungen nicht zu genügen. Nach Shows erzählen junge Fans von Trost und Halt. Vielleicht liegt darin das Geheimnis dieses Duos: Sie romantisieren nichts. Sie sagen, dass das Erwachsenwerden manchmal schlicht weh tut und dass genau darin eine eigentümliche Schönheit liegt.

Im Herbst 2026 kommen Kids With Buns für drei Konzerte nach Deutschland. Eine gute Gelegenheit, sich von diesen „sad bangers“ live durchrütteln zu lassen.