New Yorker Funk-Band bricht Genre-Grenzen auf und entwickelt wingängigen Sound 2026 Live in Hamburg Was als Ein-Mann-Aufnahmeprojekt von Komponist und Multiinstrumentalist Seth Applebaum begann, hat sich zu einer kraftvollen Live-Band entwickelt, die Musikfans weltweit in ihren Bann zieht. Ghost Funk Orchestra erschafft ein klangliches Kaleidoskop, das sich jeder Genre-Einordnung widersetzt und dabei starke Einflüsse aus Soul, Psychedelic Rock, Salsa und darüber hinaus vereint. Nun kommt die Formation nach Hamburg. Die einzigartige Genre-Verschmelzung des Ghost Funk Orchestra führte sie bislang auf legendäre Festivals wie das Montreal Jazz Festival, Treefort, Telluride Jazz, Otis Mountain Get Down und das BRIC's NYC Winter Jazz Festival – ein Beweis für ihre vielseitige Musik. Zurecht beschreibt der New Yorker Blog Post-Trash ihren Sound als „psychedelische Odyssee traditioneller Klänge, die auf nicht-traditionelle Weise dargeboten werden." Auch Bandcamp, lobt die Fähigkeit der Band, „kein funkverwandtes Genre unerforscht zu lassen." Experimentierfreude ist der Schlüssel zum Erfolg von Ghost Funk Orchestra. Ihre Unberechenbarkeit zieht Musikliebhaber aus aller Welt an, die gespannt verfolgen, was sie als nächstes aus dem Hut zaubert. In einer Zeit musikalischer Schubladendenken brechen Ghost Funk Orchestra alle Konventionen und erschaffen dabei völlig neue Hörerfahrungen.

Eine Stimme, so mächtig wie der Bart – das können nur wenige von sich behaupten. Der kanadische Folk-Sänger Ben Caplan wirkt in vielerlei Hinsicht einnehmend und kraftvoll, zugleich aber auch introspektiv und sanft. Mit seiner melodramatischen, eigentümlichen Romantik gilt er seit über 15 Jahren als einer der außergewöhnlichsten Künstler der modernen Folkszene.

Aufgewachsen im kanadischen Hamilton, spielte Caplan schon als Teenager Gitarre. Mit 19 beschloss er, als Singer-Songwriter seinen eigenen Weg zu gehen. Seit 2006 stand er gemeinsam mit seiner Band „The Casual Smokers“ auf unzähligen Bühnen, und arbeitete parallel an seinem Debüt-Album „In The Time of the Great Remembering“, das 2011 veröffentlicht wurde. Schon hier zeigte sich sein unbedingter Wille, jeder Kategorisierung zu entgehen: Zwischen modernem Folk, der reichen Tradition osteuropäischer Volkslieder und klassischen Balladen spannt er ein breites musikalisches Spektrum. Und immer im Zentrum: Seine unverkennbare Stimme.

Meist ein tiefer Bariton, kann sie ebenso schreien, flüstern, hauchen oder sanft singen – Emotion pur. Diese Ausdruckskraft brachte ihm begeisterte Kritiken und mehrere kanadische Musik-Preise ein. Auf dem Nachfolge-Werk „Birds with Broken Wings“ (2015) wirkten über 30 Instrumentalist*innen mit. Das dritte Album „Old Stock“ widmete sich 2018 im klassischem Theaterformat den Themen Migration und Identität. Es folgten „recollection (reimagined)“ (2021) und „Old News“ (2022).

Nun ist Ben Caplan zurück. In seinem jetzt erscheinenden fünften Studioalbum „The Flood“ geht es um die großen Themen: Verlust, Resilienz und Erneuerung – wie finden wir einen Weg nach vorn in einer Welt, die auf so viele Arten gleichzeitig zu zerfallen scheint? Und wie lässt sich dieser Schmerz in Stärke verwandeln? Wie all seine Arbeiten ist auch „The Flood“ ein kraftvolles, poetisches und zutiefst menschliches Kunstwerk. Offensichtlich wurde dieses Album für die Bühne geschaffen: Die fließenden Übergänge und dynamischen Arrangements schreien geradezu nach einem immersiven Erlebnis. Denn Ben

Caplans Musik wird nicht einfach gespielt – sie wird gelebt. Seine Präsenz auf der Bühne ist mitreißend, energiegeladen und überlebensgroß. Wer ihn einmal live erlebt hat, weiß, dass er jedes Publikum im Handumdrehen verzaubert. Knapp 2000 Auftritte in 27 Ländern sprechen für sich. Im Frühjahr 2026 kehrt Ben Caplan endlich auf die europäischen Bühnen zurück - und macht dabei auch sechsmal Halt in Deutschland.

Lovesick ist eine Band, die Country, Western Swing und Rock’n’Roll spielt. Sie haben sechs Studioalben veröffentlicht, das neueste – „Remember My Name“ – erschien im Juni 2024. In den Jahren 2024 und 2025 absolvierten sie zwei Tourneen in den USA und wurden für die Ameripolitan Music Awards in Austin, Texas, in der Kategorie „Western Swing Band“ nominiert. Diese Nominierung würdigte sie als eine der interessantesten Bands des Genres weltweit. 

Die Band wird von Paolo Roberto Pianezza (Gitarre, Gesang) und Francesca Alinovi (Kontrabass, Gesang) geleitet und ist seit 2015 mit eigenen Veröffentlichungen und internationalen Tourneen aktiv. Mit über 400 Konzerten in Europa und den USA spielen sie ausschließlich eigene Songs und verbinden amerikanische Wurzeln mit einem persönlichen und unverwechselbaren Songwriting-Stil. Sie teilten die Bühne bereits mit Künstlern wie Ben Harper, Tommy Emmanuel, Toquinho, JD McPherson, Zucchero und spielten auf großen Festivals neben The Offspring, Social Distortion, Walter Trout, Ten Years After und anderen bekannten Namen der Szene. Sie traten außerdem als Vorband von Zucchero Fornaciari in der RCF Arena Campovolo vor 35.000 Zuschauern auf, sowie an historischen Orten wie dem Valle dei Templi in Agrigent und dem Griechischen Theater in Syrakus.

„Remember My Name“, erschienen am 28. Juni 2024, wurde in Los Angeles aufgenommen und ist das sechste Studioalbum der Band. Es wird weltweit von DixieFrog Records (Europa), MGM Distribution (Australien und Neuseeland) und Edgewater Music Group (USA, Kanada und übrige Welt) vertrieben und unterstreicht damit die künstlerische und internationale Identität der Band.

Bis heute hat Lovesick über 19.000 Tonträger komplett unabhängig verkauft. Paolo und Francesca waren auch im Film- und Fernsehbereich tätig: Sie spielten im Film „Lamborghini – The Man Behind the Legend“, in der Fernsehserie „Speravo de morì prima“ (basierend auf der Karriere des Fußballspielers Francesco Totti) und in der internationalen Serie über Oriana Fallaci mit, die 2025 erschien.

Präsentiert von ByteFM.

Nach acht Jahren Pause melden sich The Barr Brothers mit ihrem vierten Studioalbum „Let it Hiss“ eindrucksvoll zurück. Das Werk steht für Aufbruch, Ehrlichkeit und Wiederentdeckung – ein Album, das Unvollkommenes feiert und den rohen, lebendigen Sound der Band neu entfacht.

„Wir haben aufgehört, so zu tun, als wäre schon alles gut, und angefangen, wirklich hinzuhören“, sagt Andrew Barr. Produziert wurde das Album von den beiden Brüdern selbst in ihrem Studio in Montreal, mit tatkräftiger Unterstützung von Jon Low (The National, Taylor Swift, Bon Iver). Musikalisch verbindet ihr neues Album aber ähnlich wie ihre bisherigen Werke handgemachten Folk, Americana und experimentelle Indie-Klangfarben – mal intim und leise, mal dynamisch und voller Spielfreude. Highlights wie „Run Right Into It“ , „English Harbour“ und „Moonbeam“ zeigen die Band in absoluter Bestform: ehrlich, offen und ungeschliffen.

Nach einem Auftritt im Vorprogramm von Mumford & Sons im November 2025 in Berlin werden The Barr Brothers demnächst diese neue Energie endlich wieder auch bei eigenen Shows in Deutschland live auf die Bühne bringen. Fans dürfen sich auf mitreißende Abende freuen – zwischen leisen Momenten und purer, elektrisierender Spielfreude.

Präsentiert von countrymusicnews.de

Corb Lund ländlicher Albertaner aus den Ausläufern der Rocky Mountains, der aus einer langen Familiengeneration von Ranchern und Rodeo-Leuten stammt – ist so authentisch, wie man nur sein kann, und gleichzeitig schwer in eine Schublade zu stecken.
Der kanadische Singer-Songwriter aus dem Westen ist ein schwer fassbarer Künstler – auf der Bühne, abseits der Bühne und im Studio. Er bewegt sich mühelos zwischen Outlaw-Country, Western und Indie-Folk, immer mit ehrlicher Neugier und leidenschaftlicher Hingabe an jedes dieser Genres. Er wuchs mit dem altbewährten DIY-Motto auf: „Wenn du willst, dass etwas erledigt wird, musst du es selbst machen.“ So startete er seine Karriere: Aufnahmen im Keller, eigene T-Shirts drucken, Touren selbst buchen, Manager und Pressearbeit in Personalunion – was auch immer nötig war, um es durchzuziehen.
Jahrelang tourte er mit der Indie-Metal-Band the smalls, bevor er sich dem Schreiben von Western-Songs zuwandte und dabei einen ganz eigenen, schrägen und einzigartigen Hybrid-Stil entwickelte. Er erhielt zahlreiche nationale und internationale Nominierungen und Auszeichnungen. 2022 gewann er seinen 14. Canadian Country Music Award und gab sein Debüt in der legendären Grand Ole Opry.
Sein letztes Album mit eigenen Songs, El Viejo, erschien im Februar 2024.

Hayes Carll predigt nicht und belehrt uns auch nicht großartig – er hat null Bock, uns zu sagen, wie wir zu denken oder zu leben haben. Stattdessen zeichnet er einfach seine eigene Landkarte durchs Leben: Er dreht die Lautstärke runter, schaltet den ganzen Krach aus und hört endlich auf seine echte Stimme – die ehrliche, die konsequente und oft genug ziemlich unangenehme.We’re Only Human ist inzwischen sein zehntes Album (das zehnte Studioalbum, um genau zu sein – released August 2025, und seit Januar 2026 gibt’s sogar ’ne schicke Deluxe-Edition mit extra Tracks). Wie seine besten Texte ist auch das hier ein unterschätztes Meisterwerk: ein super ehrliches Foto von einem Typen, der sich mit den größten und gleichzeitig intimsten Fragen der Menschheit auseinandersetzt – und dabei auch noch Spaß dran hat. Wo finden wir Vergebung für uns selbst und Gnade für die anderen? Wie halten wir den Kopf ruhig und bleiben im Moment? Wem oder was können/können wir eigentlich vertrauen? Und wie zum Teufel kriegen wir uns selbst in diesen verrückten Zeiten wieder fest verankert?Das Album gibt uns die Chance, Hayes beim Selbst-Zuhören zuzuhören.

Da muss tatsächlich erst eine italienische Band kommen, um der Bluegrass-Gemeinde in USA zu zeigen, wie die Musik in den goldenen 50er Jahren des Genres geklungen hat. Ohne jegliche Modernismen führen die fünf Italiener zurück zum wilden, rauen und energiereichen Sound der frühen Jahre. Dabei klingen sie nicht nur frappierend nah an den Originalen (von denen keiner mehr wirklich aktiv ist), sondern sehen auch aus, als wären sie einer Show dieser Zeit entsprungen.

Detailverliebt zeigen sie sich in cooler stilsicherer Bühnenkleidung und benötigen (wie bei einer Show in einer Scheune im tiefen Hillbilly Country) nicht mehr als ein einziges Mikrofon, um das sie sich dynamisch und doch komplex choreographisch gruppieren. Ihr intensiver, mehrstimmiger Gesang klingt wie auf einer alten Schallplatte und verrät praktisch keinen Akzent, wie selbst ein Kritiker des bedeutendsten Fachblatts „Bluegrass Unlimited“ bewunderte. Mit einem der wichtigsten und typischen Elemente der frühen Zeit, der humorvollen und abwechslungsreichen authentischen Bühnenshow sowie ihrem italienischem Charme begeistern sie jedes Publikum. 

Gegründet wurde die fünfköpfige Gruppe von zwei Legenden der italienischen Szene. Da ist Mandolinist Matt Ringressi, fanatischer Schallplattensammler, Kulturkenner und Spezialist der Mode der 40er und 50er Jahre. Die ersten Banjoklänge hörte er mit drei Jahren in der Muppet Show (!), wechselte dann zu Geige und Mandoline und war schon auf vielen prestigeträchtigen Bühnen weltweit Gast. In seinem dynamischen Mandolinen-Spiel finden sich Bluegrass, Country und Rockabilly Einflüsse. 

Ihm zur Seite steht Ruben Minuto,kraftvoller und stilsicherer Sänger der Extraklasse. Seine Karriere führte ihn immerhin auf das zentrale und größte Bluegrass Festival IBMA ebenso wie auf das Chicago Blues Festival und eine Menge anderer Bühnen weltweit. Mit kraftvollem Rhythmus-Gitarrenspiel treibt er die Band in den typischen „Groove“, ohne den gute Bluegrass Musik nicht funktioniert. 

Am original 5string Banjo von 1954, mit explodierender Energie, steht Germano Ciavone. Er spielt im essentiellen „Scruggs“ Style (benannt nach Banjo Urvater Earl Scruggs) und ist ein profunder Kenner der „early days of Bluegrass“. Wenn er aus dem Hintergrund mit seinem Instrument für ein Solo nach vorne ans Mikrofon springt ist Szenen-Applaus angesagt. Nebenbei beschäftigt er sich mit Zügen, vor allem alten Dampfloks, einem zentralen Thema der alten Country Musik. Am skurrilen Dobro, einer Art Hawaiigitarre, die man mit einem Stahlstab waagrecht vor dem Bauch spielt, findet sich Denny Rocchio. Seine großen Einflüsse sind Oswald Kirby und „Uncle“ Josh Graves, (Father of Bluegrass Dobro) Die Rhythmusmaschine des Ensembles ist Emanuele Valente am Kontrabass, den er auf verschiedene typische Arten spielt.

Präsentiert von Good Times, Classic Rock & ByteFM.

1970 auf Canvey Island, Essex, gegründet, erreichte Dr.Feelgood mit ihrem Album „Stupidity“ nach ihrem No.1 Erfolg in den U.K. Charts Fans aller Coleur. Weitere Erfolge mit Single Veröffentlichungen folgten mit Songs wie Roxette, Back in the Night, Milk and Alcohol, Down at the Doctors. Ihre Version von See You Later Alligator erhielt sogar Gold Status! 

Mit Kevin Morris am Schlagzeug, Phil Mitchell am Bass und Gordon Russell an der Gitarre stehen seit 1983 noch immer Musiker der letzten Besetzung um Original-Sänger Lee Brilleaux auf der Bühne. Er verstarb 1994 und wurde seit 1999 durch Robert Kane (früher The Animals) ersetzt.

Auch wenn Dr.Feelgood weiterhin Alben veröffentlicht, zuletzt „Live in Caen“ (2024) und „Damn Right!“ (2022), bleibt das eindeutige Markenzeichen ihre fesselnde Live-Show! Man kann die Energie noch immer spüren, mit der die Band einst die Musik-Clubs auf der ganzen Welt auseinandergenommen haben.

Rob Heron & The Tea Pad Orchestra sprengen seit über einem Jahrzehnt mit Begeisterung Genregrenzen und vermischen Rockabilly, Blues, Country, Swing, Soul und mehr zu einem musikalischen Schmelztiegel – und klingen dabei immer ganz nach sich selbst. Die Band, die in Newcastle beheimatet ist, aber aus ganz Großbritannien stammt, hat fünf Alben veröffentlicht und ausgiebig in Großbritannien und Europa getourt. Ihre Auftritte reichten von Glastonbury und dem Cambridge Folk Festival bis hin zu Dorfgemeinschaftshäusern und Scheunen. Bekannt für ihre energiegeladenen Live-Shows und ihren trockenen Humor, tourten sie bereits mit Größen der Americana-Szene wie Pokey LaFarge, The Dead South und Sierra Ferrell. Ihre Musik erschien bei Sleazy Records (Spanien) und Migraine Records (Deutschland), sie waren mehrfach in der BBC-Sendung „Loose Ends“ auf BBC Radio 4 zu Gast und ihre Musik wurde von Größen wie Marc Riley und Huey Morgan gespielt.

Ihr sechstes Album „Feet First“ wurde in nur zwei Tagen in den Lightning Recorders in Berlin aufgenommen. Das Studio ist bekannt für seine authentischen Analogaufnahmen, live im Studio und direkt auf Band. Dieses „Einfangen eines musikalischen Moments“ ist auf der neuen Platte des Tea Pad Orchestra deutlich zu hören.

Flo Naegeli ist ein Sänger und Multiinstrumentalist aus Dresden. Sein Sound verkörpert einen Indie-Soul-Pop-Stil, der von namhaften Künstlern wie Jordan Rakei, Stevie Wonder und Benny Sings inspiriert ist. Mit einem ausgeprägten Verständnis für verschiedene musikalische Elemente ist Flo Naegeli geschickt im Schreiben, Arrangieren und Aufführen seiner einnehmenden und authentischen Tracks, wobei er sein Können an Schlagzeug, Gesang, Bass und vor allem an der Gitarre unter Beweis stellt. Zusätzlich zu seinen Fähigkeiten als Songwriter und Performer hatte Flo die Gelegenheit, die Bühne mit Musikern zu teilen, darunter Isaiah Sharkey, Larnell Lewis, MonoNeon, Vincen Garcia und Joscho Stephan. Flo bereitet derzeit die Veröffentlichung seiner zweiten EP vor, die für 2025 geplant ist!

It is what it is till it is what it isn’t!

LONELY SPRING wollen keine absoluten Lösungen anbieten, für alle Fragen, die sie und ihre Zuhörerschaft plagen, aber sie eröffnen den Misfits dort draußen ein Momentum, in dem sie zusammen für eine kurze Zeit Kraft tanken können.

LONELY SPRING sind drei Jungs, die sich bereits seit der Schulzeit kennen und miteinander musizieren. Damals noch in einem Proberaum in einer 7000-EinwohnerInnen-Stadt. Doch die Träume waren groß und genauso stark war der Wille sie zu erreichen. Sie wollten etwas verändern, sie wollten, dass sich die Welt verändert. Ihre Helden haben ihnen bewiesen, dass man alles schaffen kann, wenn man immer wieder aufsteht und die Stimme erhebt, wenn man immer dann, wenn man sich verliert, für die Welt und für sich selbst singt. Jahre später ist es nun soweit: ihre Blicke richten sich gen Rockolymp. Sie sind bereit in die Fußstapfen ihrer Helden zu treten. Bereit, alles zu verändern.

LONELY SPRING ist für alle, die sich nicht verstanden fühlen, die immerzu ermahnt werden, sich anzupassen, um nicht in der Masse zu ertrinken. LONELY SPRING ist ein Auffangbecken für alle jene, die daran erinnert werden müssen, dass sie gut sind, so wie sie sind und sie nicht in der Masse untergehen, sondern über ihr hinwegfliegen werden. Dabei kommen LONELY SPRING mit einer gewaltigen Pop-Punk-Emo-Attitüde. Ihre Musik wird getragen von hymnischen Chorussen, die schon nach einmal hören für immer im Kopf stecken bleiben. Unterlegt durch punkige Drums und treibende Basslines, die vermuten las- sen, Travis Barker und Mark Hoppus hätten sie selbst gespielt. Getoppt von melodischem Gesang, der so klingt, als hätten Avril Lavigne und Panic! At the Disco ein Kind gezeugt, während sie American Pie schauten.

Schon die erste Single der aktuellen LONELY SPRING-Ära ‚Misfit‘ erreichte mittlerweile auf Spotify allein über 2,1 Millionen Streams und auf YouTube mehr als 212k Views. Außerdem waren LONELY SPRING mit ‚Misfit‘ Teil des deutschen Vorentscheids für den Eurovision Song Contest ‚Unser Lied für Liverpool‘ mit rund 2 Millionen ZuschauerInnen. Anschließend waren auch die darauffolgende Single ‚Shipwreck‘ und der Release des Pop-Punk-Covers vom ESC- Klassiker ‚Save Your Kisses for Me‘, sowie die Radiosingle ‚I Just Wanna Dance‘ und der Pop- Punk-Banger ‚Future Ex‘ ein voller Erfolg. ‚I Just Wanna Dance‘ wurde dabei nicht nur von vielen Radios gespielt, sondern kam auch unter anderem in die Rotation bei Bayern3.

LONELY SPRING haben mit ihrer Debüt-EP ‚Lovers & Strangers‘ bereits 1,6 Millionen Streams auf Spotify erreicht. Darunter befindet sich die Single ‚For the Sake of Your Heart‘, welche auf YouTube mittlerweile über 112k Views erzielen konnte. Außerdem wurde das Debütalbum ‚Change The Waters‘ bisher insgesamt über 2,3 Millionen Mal allein auf Spotify gestreamt.

Präsentiert von ByteFM.

The Franklin Electric aus Montreal, angeführt von Jon Matte, hat sich von einem persönlichen Ventil zu einem bekannten Indie-Folk-Namen mit einer treuen internationalen Fangemeinde entwickelt.

Nach zwei intensiven Tourjahren, darunter vier Europatourneen in diesem Jahr und der Veröffentlichung ihrer neuesten LP „Victory Songs“, befinden sich The Franklin inmitten einer kraftvollen zweiten Welle und erobern die Herzen von Zuhörern weltweit. Die Band kehrt für Auftritte im MTelus in Montreal und im Impérial Bell in Quebec City nach Hause zurück und freut sich auf eine Headliner-Tour durch Europa und Großbritannien im Frühjahr 2026.

Godwins Verbindung zur Kunst ist einzigartig. Für den Musiker und Filmemacher ist seine Kunst eine starke innere Kraft und ein Weg, um sich selbst Sinn zu geben sowie eine Verbindung zu seinen Freunden und seiner Familie aufzubauen. Seitdem er 2024 seine Debüt-EP „Road to Nirvana“ veröffentlicht hat, wirbelt er mit seiner emotionalen Musik die nigerianische Musikszene kräftig auf. Bis heute sammelte er über 600k TikTok-Follower und landete mit seinen Singles „Home“, „Abeke“ und „Broken“ erste größere Erfolge. Im Oktober 2025 erschien sein Debütalbum „Atonement“, das vom deutschen Produzententeam KITSCHKRIEG produziert wurde und mit einem vielseitigen Pop-Sound überzeugt.

Der australische Singer-Songwriter Ben Camden kehrt im Frühjahr 2026 nach Europa und Großbritannien zurück! Nach der Veröffentlichung seines dritten Albums „Sunflowers“ im Jahr 2025 präsentiert Ben Songs und Geschichten aus seinem kommenden vierten Album sowie alte Favoriten und neue Stücke. Verpassen Sie nicht die Gelegenheit, einen intimen und herzerwärmenden Abend mit Ben Camden zu verbringen! 

Authentisch und aufrichtig – Bens Kindheit im ländlichen Australien und seine Zeit in Fidschi und Europa haben einen einzigartigen Sound geprägt, der gleichermaßen vertraut und genreübergreifend ist. Der Straßenmusiker aus Byron Bay, der sich zum Vollzeit-Tourmusiker entwickelt hat, wechselt mühelos zwischen sanften Akustikballaden und mitreißendem Folk-Rock und begeistert sein Publikum mit seiner bodenständigen Bühnenpräsenz, den liebenswerten Anekdoten zwischen den Liedern und den authentischen Texten.

Sophie Auster über „Milk for Ulcers“: „Dies ist das intimste Album voller unverfälschter Gefühle, das ich je gemacht habe. Während ich es schrieb und aufnahm, starben meine Nichte, mein Bruder und bei meinem Vater wurde Krebs diagnostiziert; ich erfuhr, dass ich schwanger war, brachte am ersten Tag des Jahres 2024 meinen Sohn Miles zur Welt und sah vier Monate später meinen Vater in dem Haus sterben, in dem ich aufgewachsen bin.“ 

Im Zeitalter von KI-Algorithmen, verpackten Emotionen und einer Aufmerksamkeitsspanne von nur 30 Sekunden ist Sophie Auster eine Künstlerin, deren Musik ihren Zuhörern eine andere Welt eröffnet. Obwohl ihre Lieder die Geschichten ihrer eigenen Verluste erzählen, sind Trauer und Wut nach Ereignissen, die wir nicht kontrollieren können, Emotionen, die Menschen teilen und die sie nur schwer verstehen können, trotz des Lärms einer Medienkultur, die Einsamkeit statt Gemeinschaft erzeugt. Als Tochter zweier Schriftsteller wuchs Auster in einem Haushalt auf, in dem Künstler aller Art kamen und gingen, darunter auch Berufsmusiker. Sophie begann mit acht Jahren zu singen und debütierte mit sechzehn mit ihrem ersten Album. Dieses Album wurde von Naive Records in Frankreich aufgenommen, als sie achtzehn war, und erntete in ganz Europa großes Lob von Kritikern, woraufhin sie auf Tournee ging.

Schon früh in ihrer Karriere erregte Auster die Aufmerksamkeit von Modehäusern und arbeitete mit deren Marken wie Chanel, Dior und Ferragamo zusammen und trat bei deren privaten Veranstaltungen auf. 2019 übernahm BMG einen Verlags- und Plattenvertrag für ihr Album Next Time. Im selben Jahr war ihre Single Mexico in dem von John Turturro gedrehten Film The Jesus Rolls zu hören. Auster hat im In- und Ausland Auszeichnungen erhalten, darunter den Hauptpreis beim John-Lennon-Songwriting-Wettbewerb für ihren Song Little Bird und den Preis als Sängerin des Jahres von Cosmopolitan Spain. Auster berichtet, dass ihr der Albumtitel Milk for Ulcers nach einem Gespräch beim Abendessen über antiquierte Heilmittel für verschiedene Beschwerden einfiel: „Milch kann den Schmerz bei Geschwüren zwar vorübergehend lindern, aber tatsächlich verschlimmern. Es ist, als würde man Butter auf eine Verbrennung schmieren.“ Die Ironie liegt auf der Hand, aber was man bei Wunden tun und wie man sie heilen kann, ist ein ungelöstes Rätsel, auf das Auster nicht mit Klischees antworten möchte. Bei „Milch für Geschwüre“ geht es ihrer Meinung nach darum, „offene Wunden zu schließen, auch wenn einige der Behandlungen nur vorübergehend sind.“

Die Songs auf diesem Album spiegeln die komplexen Emotionen wider, die man nach dem Tod eines geliebten Menschen empfindet – Trotz, Wut, Trauer – aber auch Hoffnung und Freude, die das Muttersein mit sich bringt. Der letzte Song des Albums, Blue Team, wurde für Sophies Vater, Paul Auster, geschrieben. Sie arbeitete mit dreifacher Geschwindigkeit daran, ihn fertigzustellen: „Ich bin so froh, dass er ihn hören konnte, bevor er starb.“

Parker Millsap machte sich mit seinen fesselnden Live-Auftritten, seinem gefühlvollen Sound und seinen charakterstarken Geschichten schnell einen Namen. Er feierte eine Reihe von Erfolgen, darunter ein Auftritt bei CONAN, ein gemeinsamer Auftritt mit Elton John beim Apple Music Festival, eine Aufzeichnung von Austin City Limits und eine Nominierung für das Album des Jahres der Americana Music Association. Er teilte die Bühne bereits mit Künstlern wie Jason Isbell, Shovels & Rope, Patty Griffin, Houndmouth und vielen anderen.

Parkers frühe Veröffentlichungen zeugten von seiner Klasse im akustischen Folk-Rock, der sich durch seine Offenheit und mitreißende Dynamik auszeichnete. „Be Here Instead“, Millsaps 2021 erschienenes und von John Agnello produziertes Album, deutete bereits die kommende Wildheit an und erkundete gleichzeitig neue, persönlichere Songwriting-Stile. Parkers neuestes Album „Wilderness Within You“ ist ein natürlicher Schritt in seiner musikalischen Entwicklung und verwebt Elemente seiner Vergangenheit mit neuen Einflüssen zu einem wunderschönen Ganzen.

Tyler Shaw ist ein mehrfach mit Platin ausgezeichneter Künstler, Musikproduzent, Regisseur und Schauspieler. Der chinesisch-kanadische Künstler aus Vancouver erlangte 2012 nationale Bekanntheit, nachdem er den MuchMusic Coca-Cola Covers Talentwettbewerb gewonnen hatte, und zählt seither zu den produktivsten Talenten Kanadas. Im Laufe seiner Karriere wurde er für mehrere JUNO Awards (die kanadischen Grammy Awards) nominiert, tourte mit dem Pop-Phänomen Selena Gomez und eröffnete Shows für internationale Künstler wie Shawn Mendes, Myles Smith, Noah Kahan und Alessia Cara.

Im Jahr 2021 gründete Shaw gemeinsam mit anderen die Künstlerinitiative ArtistsCAN, um Spenden für die COVID-19-Hilfsprogramme des Kanadischen Roten Kreuzes zu sammeln. Darüber hinaus engagiert er sich im gemeinnützigen Bereich und unterstützt sowohl die Pinball Clemons Foundation als auch die Canadian Chinese Youth Athletic Association (CCYAA) – als auftretender Künstler sowie als aktiver Teilnehmer beim berühmten Celebrity Classic. Im selben Jahr wurde er eingeladen, an einem globalen Streaming-Event zur Feier des Asian Heritage Month teilzunehmen, organisiert von Golden House und Amazon Music. Zudem wurde er vom Grammy-Awards-Team als Musiker asiatischer Herkunft hervorgehoben, den man 2021 besonders im Blick behalten sollte.

Im Februar 2022 veröffentlichte Tyler seine virale Version von GAYLEs Nummer-1-Hit „abcdefu“. „Love You Still“ (abcdefu Romantic Version) verzeichnete bislang über 7 Milliarden Aufrufe von Videos, die den Song auf TikTok verwenden, mehr als 20 Millionen Aufrufe nutzergenerierter Inhalte auf YouTube, über 800.000 erstellte Videos mit dem Song sowie insgesamt mehr als 340 Millionen kombinierte Audio- und Video-Streams. Die Single erhielt Gold-Auszeichnungen in Indien, Singapur und Malaysia sowie Multi-Platin in Kanada und Taiwan. Im Jahr 2023 wurde „Love You Still“ (abcdefu Romantic Version) für den Preis „TikTok JUNO Fan Choice“ nominiert und erreicht weiterhin neue Meilensteine auf Streaming-Plattformen.

Als eines der bekanntesten Pop-Talente Kanadas mit zehn Top-Ten-Hits in den Charts sowie zahlreichen Film-, Fernseh-, Feature- und Produktionscredits gilt Tyler Shaw als einer der beständigsten Künstler des Landes und ist bereit für den internationalen Durchbruch.

Im Frühjahr 2026 erscheint das vierte Album der Hamburger Künstlerin LÙISA. Call Me The Witch ist ein feministisches Manifest, das seine hypnotisierende Kraft daraus bezieht, dass LÙISA ihre Female Rage als Superpower entdeckt hat, die sie in kreative Energie und spielerische Leichtigkeit verwandelt.

Die Musik, die sie auf diese Weise geschrieben und in ihrem Hamburger Studio produziert hat, ist ein popmusikalisches Fest für alle Sinne. Sie erzählt vom Suchen und Finden desMagischen in einer entzauberten Welt – und davon, innere Dunkelheit und Wut produktiv zu nutzen. Nachdem alle Tourneen und Konzerte zu ihrem Vorgängeralbum New Woman gespielt waren – unter anderem auf dem Iceland Airwaves Festival und als Support für Arlo Parks –, zog sich LÙISA eine Weile zurück, um sich ein tieferes Wissen über Musikproduktion anzueignen. In ihrem kleinen hölzernen Studio in Hamburg ist so ihr bislang persönlichstes Werk entstanden, und ein gewaltiges Debüt als Musikproduzentin ist ihr gelungen: Ihr Sound schwebt zwischen ätherischen Synth-Flächen, düsteren 80s-Gitarren und treibenden Schlagzeug-Beats. Die besondere Qualität in LÙISAs Kunst liegt darin, wie sie aus Einflüssen von Kate Bush, den Cocteau Twins oder Fleetwood Mac etwas ganz und gar Eigenes formt, das ausschließlich im Hier und Jetzt spielt – zeitlos und doch kompromisslos aktuell.

Für ihre Arbeit wurde sie mit dem FemaleProducer* Prize ausgezeichnet. Die Stücke in Call Me The Witch erzählen von Female Rage, Selbstermächtigung und Widerstand gegen patriarchale Normen sowie dem Erstarken des Autoritarismus – immer auf der Suche nach einer Magie, die uns durch zunehmend nüchterne und dunkle Zeiten trägt. Ihre tatsächliche Witchcraft bezieht diese Musik indes aus LÙISAs spielerischem, souveränem Umgang mit diesen düsteren Themen und daraus, wie sie diese in mitreißende Songs verwandelt: »I want to be the kind of woman that men are scared of when they go home, alone, in the dark«, singt sie im Titelsong Call Me The Witch – und schreibt die Rollen selbstermächtigt kurzerhand um.

Bekannt für ihre energetischen und intensiven Live-Shows wurde LÙISA im Sommer 2025 von Alanis Morissette eingeladen, ihr Konzert vor 10.000 Menschen zu eröffnen. Im Herbst 2025 begleitet sie die britische Mega-Band Simply Red auf deren ausverkaufter Arena-Tour durch Deutschland und die Schweiz.

Nach ihrer ausverkauften MAD Unplugged Tour in Deutschland und England legen Mad Hatter’s Daughter 2026 nach - mit der underCover Tour
in wunderschönen Venues! 

Die Mischung aus emotionalen Popsongs, handgemachtem Sound und Kira’s einzigartiger Stimme schafft eine außergewöhnliche Atmosphäre! 

Erlebt die Magie von Mad Hatter's Daughter live – jetzt Tickets sichern und in eine unvergessliche Nacht eintauchen!