„Bowie in Gugging“ – Popmusik und Schizophrenie

 „Sternenmenschen. Bowie in Gugging“ - Diskussion & Lesung mit Uwe Schütte, Moderation: Christoph Dallach.

Im September 1994 besuchte David Bowie, zusammen mit Brian Eno, die schizophrenen Künstler der Nervenklinik in Gugging nahe Wien, um Inspiration für ihre ins Stocken geratene Arbeit am Album Outside (1995) zu finden. Dieses Zusammentreffen von sozialen Außenseitern und dem weltberühmten Musiker steht im Zentrum von Sternenmenschen.

Autor Uwe Schütte geht darin den Biografien der dauerhospitalisierten Künstler-Outsidern nach, die er zur selben Zeit wie Bowie regelmäßig besuchte, er rekonstruiert die komplizierte Entstehung von Bowies Ausnahmealbums Outside und umkreist den biografischen Hintergrund von dessen Interesse am Komplex Schizophrenie und Kunst, nämlich den tragischen Selbstmord seines geliebten Halbbruders Terry, der jahrelang in psychiatrischen Anstalten interniert war.

Schüttes beziehungsreiches Buch versucht dabei die Frage zu beantworten, wie umzugehen ist mit der Unberechenbarkeit unser aller Leben - und wie Kunst und Popmusik dabei helfen können.

UWE SCHÜTTE lebte als Student und dann Unidozent über drei Jahrzehnte in England, nach dem Brexit kehrte er nach Deutschland zurück, lebt nun in Berlin, wo er Bücher und Essays über die Randbereiche von Pop-Musik und Kunst jenseits des Mainstreams schreibt.

CHRISTOPH DALLACH ist einer der bedeutendsten Musikjournalisten Deutschlands, er schreibt u.a. für Der Spiegel und Die Zeit, und ist darüberhinaus der Autor des ultimativen Krautrockbuches „Future Sounds. Wie ein paar Krautrocker die Popwelt revolutionierten“.

Präsentiert von undercover, The Pick & kulturnews.

Die große Frage ist natürlich, ob eine Band mit der Geschichte von DI-RECT noch einer Vorstellung bedarf. Nach 23 Jahren kann man davon ausgehen, dass man die Haager Rocker irgendwie kennengelernt hat. Eine Diskografie, die man bewundern kann, und eine Erfolgsbilanz in Sachen Shows, von der man als Enthusiast nur beeindruckt sein kann. Mit dem jüngsten Tüpfelchen auf dem i: unsere eigenen Shows im restlos ausverkauften Ahoy. Ganz zu schweigen von den Touren und Shows auf unzähligen Festivals und Veranstaltungen. Kurz gesagt, Sie können DI-RECT nicht ignorieren.

Die besondere Zeit der Lockdowns hat die gegenseitigen Bindungen innerhalb von DI-RECT, wenn möglich, noch mehr gestärkt. Aus den Freunden wurde eine Familie und das ohnehin schon grenzenlose Vertrauen zueinander wächst weiter. Was zu neuer Musik führt. Mit noch mehr Musikalität zusätzlich zum bekannten Input von Marcel Veenendaal, Spike van Zoest, Bas van Wageningen, Jamie Westland und Paul Jan Bakker. Danke zum Beispiel an Keyboarder Matteo Iannella, aber auch an die mittlerweile bekannte Bläsersektion, die das musikalische Bild abrundet. Dass neue Musik geschätzt wird. Und tatsächlich ist das eine Untertreibung. Soldier On wurde zu einer Säule im jüngsten Repertoire der Band und das wunderschöne Wild Hearts-Album wurde in kürzester Zeit mit Gold ausgezeichnet. „Through The Looking Glass“ war 2022 das meistgespielte Lied im niederländischen Radio, ebenso wie der Nachfolger „90's Kid“, ein Musical Volltreffer. Mit diesen neuen Mitteln im Gepäck war es für DI-RECT ein turbulenter Festivalsommer. Von Paaspop bis Concert at SEA und von Parkpop bis Zwarte Cross war für die Band jedes Wochenende alles dabei.

Ohne Beweise und mit einer gesunden Portion Lässigkeit blickt DI-RECT in die Zukunft. Nach einigen vollgepackten Sommern voller wunderschöner Festivals werden wir im Dezember bald unsere eigene dritte Show im Ahoy haben. Weil Traditionen dazu da sind, geehrt zu werden, und dieses Mal mit niemand geringerem als dem Residentie Orchestra als besonderem Gast. Mit dem man im Februar als ultimatives Warm-Up eine ausverkaufte Tour genießen kann.

Darüber hinaus können wir auch im Jahr 2023 neue Musik von der Band erwarten. Mit „How My Heart Was Won“ als erstem Erfolg im Januar. Anschließend werden die Männer auf einer Tournee und einem Auftritt auf
der berühmten Pinkpop-Hauptbühne am Sonntag, dem 18. Juni, auf einen neuen Sommer voller wunderbarer Festivals hinarbeiten. Da im Jahr 2025 das 25-jährige Jubiläum auf der Agenda steht, können wir nur noch mehr Großartiges erwarten. Von den Männern aus der Hofstad, die immer Jungs bleiben werden.

Prosa & Poetry, Sturm & Drang, Bier & Bühne – schöner und schneller ist Literatur selten! Fünf Minuten hat der Dichter, um einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen, da glüht das Mike, da tobt der Saal, da tanzt der Papst im Kettenhemd! Und zwar, natürlich, zu guten Grooves von: DJ Blume.

Your hosts: MC Pospiech & MC Uebel

Anmeldung für Slammer über www.slamburg.de

Bis vor ein paar Jahren noch mit Bandunterstützung unterwegs, hat Nora Schjelderup aka Ora the Molecule („Helicopter“) zuletzt vor allem als DJ-Sensation und „Norwegens Queen of Disco“ die Massen zum Tanzen gebracht. Nachdem sie im Vorprogramm von Röyksopp aufgelegt und sich DJ-Stages mit Todd Terje und Lindstrøm geteilt hat, schlägt sie 2025 ein neues Kapitel auf – und macht aus Ora the Molecule ein Soloprojekt. In die retrofuturistischen, nostalgischen und unbedingt tanzbaren Sphären, die sie ab dem 21. März auf dem neuen Album „Dance Therapy“ präsentiert, kann man heute bei uns erleben, wenn die Norwegerin zu uns in den Nochtspeicher kommt.

Präsentiert von SZENE Hamburg.

So sehr er es liebt, aufzutreten und Zuhörer zu gewinnen, so sehr hat Albino nach eigenen Angaben noch nie eine solche Verbindung zum Songwriting gespürt, doch mit „Our Time in the Sun“ gelang ihm der Durchbruch. In Zusammenarbeit mit dem Produzenten Dan Auerbach entpuppt er sich als scharfsinniger, aufmerksamer Songwriter, der schnell mit einer cleveren Wendung umgeht und offen für die emotionalen Nuancen der Geschichten ist, die er in „I Don't Mind Waiting“ und dem rohen „Struggling With The Bottle“ erzählt. „Früher hatte ich Probleme mit dem Schreiben. Okay, früher habe ich es gehasst. Wann immer ich neue Songs schreiben musste, saß ich monatelang da und schuftete.“ Als er jedoch bei Auerbachs Label Easy Eye Sound unterschrieb, verbrachten sie Stunden um Stunden damit, Ideen auszutauschen, und ihre Sessions wurden zu einer Meisterklasse darüber, wie man einen guten, soliden Song schreibt. 

„Es hat sofort Klick gemacht“, sagt Albino, „und am Ende haben wir vier oder fünf Songs pro Tag geschrieben. Davor hätte ich ein halbes Jahr gebraucht, um vier oder fünf Songs zu schreiben.“ Auerbach holte einige der besten Songwriter Nashvilles mit ins Boot, um ihr Wissen zu teilen, darunter Pat McLaughlin, Joe Allen und Bobby Wood. „Er sagte mir, wenn man ein Haus bauen will, muss man ein paar Tischler rufen. Sie müssen die Experten hinzuziehen, die damit jeden Tag ihren Lebensunterhalt verdienen. Bei Liedern ist es genauso. Einige dieser Typen haben das schon gemacht, bevor ich geboren wurde.“

Die vielleicht wichtigste Lektion, sagt er, sei gewesen, dem Lied seinen natürlichen Lauf zu lassen, anstatt zu versuchen, es zu erzwingen. Es weiß, was es braucht und wird Sie in die richtige Richtung tragen. „Rolling Down The 405“ entstand während einer Pause, als Albino und McLaughlin herumalberten, während Auerbach einen Anruf entgegennahm. „Der Song entstand so schnell. Ich fing einfach an, auf der Gitarre zu spielen und Texte aus dem Kopf zu singen … „Jimmy ließ mich zurück und rollte die 401 hinunter.“ Ursprünglich war es die 401, weil das hier eine der Hauptstraßen ist. Aber 405 klang einfach besser.“ Sogar Albino ist sich nicht ganz sicher, aber er begnügt sich damit, sie so sein zu lassen, wie der Zuhörer sie braucht. Er hat ein ausgeprägtes Gespür dafür, wie man ein Lied zwischen dem Spezifischen und dem Universellen positioniert, sodass es für jeden, der es hört, eine etwas andere Bedeutung hat. „Der Song wächst aus dem, was man hineinsteckt.“

Als sie schließlich die Aufnahmesitzungen für Our Time In The Sun planten, war „Rolling Down The 405“ der erste Song, den sie mit einer Band aufgenommen hatten, zu der einige der besten Session-Musiker Nashvilles gehörten. „Wir spielten die Demo für die Jungs im Raum und jeder verstand einfach, was es sein musste.“ Gemeinsam schufen sie alle einen luftigen Roadsong mit der Dynamik eines klassischen Rocksongs und der emotionalen Resonanz eines klassischen Souls – wie eine Aufnahme von JJ Cale. „Das war der größte Spaß, den ich je bei der Aufnahme einer Platte hatte, und es gab den Ton für die restlichen Sessions vor.“

Sie waren oft überrascht von der Richtung, in die diese neuen Songs gingen. „Dinner Bell“ beginnt mit einem sumpfigen, funkigen Breakdown wie bei Tony Joe White, bei dem Albino zum Rhythmus-Track grunzt und bellt, und geht dann in eine Art Bayou-Psychedelia über, unterbrochen von Auerbachs anarchischer Gitarrenarbeit. (Der Song enthält eines seiner wildesten auf Tonband aufgenommenen Soli.) „Dan hat eine großartige Plattensammlung, und als wir arbeiteten, holte er Sachen heraus, um sich inspirieren zu lassen. Er legte diese alte Gospel-Funk-Platte auf und der Rhythmus war so ansteckend. Wir haben angefangen, dieses Lied darüber zu schreiben, wie man sein ganzes Leben lang wie ein Hund arbeitet, sich niedergeschlagen fühlt und sich fragt, worum es im Leben eigentlich geht. Ich erzähle eine Geschichte, aber ich erzähle meine Geschichte auch in der Musik, mit der ich aufgewachsen bin und die ich gerade neu entdecke.“

Albino nahm diese Spannung mit nach Hause, nach Kanada, und jetzt freut er sich darauf, ein paar weitere Songs zu schreiben. „Ich habe das Gefühl, dass ich allein dadurch, dass ich mit diesen Jungs in einem Raum war, so gewachsen bin, und ich bin begeistert, weil das in den Songs zu hören ist. Und ich habe das Gefühl, so viel über mich selbst und meine Fähigkeiten gelernt zu haben. Diese Platte ist das Ich selbst, von dem ich glaube, dass ich jemals geklungen habe. Ich fühle mich jetzt wohler in meiner Haut als je zuvor.“

Ollie T (Olli Tukiainen) ist ein finnischer Gitarrist, der vor allem durch seine Arbeit mit den Bands Poets of the Fall und Old Gods of Asgard bekannt wurde. Seine Leidenschaft für das Gitarrenspiel entdeckte er im Alter von 12 Jahren. Im Laufe der Jahre verfeinerte er sein Können durch ein Musikstudium am Helsinki Pop & Jazz Konservatorium, wo er seine Fähigkeiten entwickelte und verschiedene Musikstile erkundete.

Im Jahr 2005 veröffentlichten Poets of the Fall ihr Debütalbum, das den Beginn einer erfolgreichen Karriere für die Band markierte. Dieser Erfolg führte dazu, dass Ollie mit Poets of the Fall international auf Tour ging und sein bemerkenswertes Können in verschiedenen Projekten präsentierte, darunter das preisgekrönte Videospiel Alan Wake 2.

Nach Jahren des Songwritings und der Arbeit an Solomaterial veröffentlichte Ollie T 2017 seinen ersten Solotrack "Firefly". Dies markierte den Beginn seiner Entwicklung als Solokünstler, die in seinem Debütalbum "Lost Within the Fire" gipfelt, das Ende 2024 erscheinen wird. Dieses fesselnde Album bietet eine breite Palette von Stimmungen, von sanften Balladen und ruhigen Melodien bis hin zu extravagantem, mitreißendem Gitarrenchaos, wie es erstmals in "Firefly" zu hören war. Das Album präsentiert zudem die Talente aller Mitglieder von Poets of the Fall, einschließlich Gesangsparts des Sängers Marko Saaresto.

The cover photograph of Matilda Mann’s debut album, Roxwell, is not entirely decipherable. Mann, a blurred figure on a quiet street, stands framed by a triptych of neon, light and shadow. The moment, a confluence of light and dark, embodies an essence of Roxwell: its interplay between darkness and hope, its blend of bitter and sweet. “I’ve found life to be this experience of feeling love and joy in a world that’s messed up at the same time”, Mann says. “Through all the ups and downs, I’d like to bring people some calm against the waves.”

Huddled in the cold with her arms crossed for warmth, her stance is a mix of defiance and vulnerability. “I kind of look like a petulant child”, she laughs, “but also like I’m trying my best to be confident even though I’m uncomfortable. I am right there in the forefront, with nothing to hide behind. That’s how I feel a lot of the time – vulnerable, afraid to fail, but still standing tall.”

Following a precocious few years in music, it feels fitting now for Mann’s debut album to start at the beginning. Named Roxwell after the cherished street of her childhood home, the album is a tender ode to her formative years. An only child to loving parents, she soaked in the world from their house in West London, watching music documentaries with her father, writing songs in her bedroom and performing to her parents in the kitchen. “I’m very sentimental and wanted to pay tribute to that house, which is the closest thing to me. So much of my history is there”, she notes. A gentle and resonant album, Roxwell exudes the warmth and care of that nurturing environment, propelling Mann into the world with a fundamental desire to connect with people.

“Being in love is a very big thing for me”, says Mann. “Within this album, I’ve been in and out of love a few different times. Some of these songs are word-for-word records of what that was like.” Roxwell, then, is a charmed exploration of love from a person eager to understand and feel its presence in her life, charting its course from infatuation to intimacy to dissolution.

Tell Me That I’m Wrong, a folky track woven with delicate guitar patterns, tells the story of two souls tentatively taking the leap into love. As Mann reflects: “Neither of us felt ready for a relationship, but we wanted to try anyway. We basically said to each other: ‘If we do this, I’ll love you for a really long time. Will you give me the green light to love you?’” Then, she navigates the aftermath of an all-consuming break-up on Common Sense. “I’d walk through Hammersmith and Shepherd’s Bush, and in my mind all I could see was this person everywhere.”

Despite being a songwriter so rooted in emotional investigation, Mann continues: “I actually think about things more logically, trying to map out how a person would probably feel in different situations and why.” Roxwell feels that way, the songs infused with careful empathy and detail, each moment carefully painted in all its intricacy.

“You hear so many opinions about what love should look and feel like, whether a love is good or bad”, Mann reflects. “For a long time I struggled to listen to myself and understand how I actually felt.” She wrestles with these internal conflicts, and eventually decides to end a relationship, on the album’s quietly heartbreaking opener At the End of the Day and its cool, uptempo counterpart Just Because. “At the end of the day / I’m too tired / To keep on holding your name”, she sings on the former, doing the hard thing with grace. She says of the track: “Here’s me, signing out, setting us both free to let in the good things”.

Roxwell is a sonic evolution for Mann, each song written across a tapestry of places, from her bedroom to the mountains of the Peak District, to the light-filled apartment in Archway where she and collaborator Jonah Summerfield often worked. Whilst tracks like All That Was Said ground the album in her beloved indie folk, Roxwell also explores new musical territories, like the sultry pop hooks on Meet Cute (co-written with musician Oscar Scheller, whose credits include Arlo Parks, PinkPantheress and Rina Sawayama). “I didn’t put any lines around what sounded like me”, Mann explains.

The punk-inflected sound of Say It Back, she suggests, “captures the childlike frustration of ‘Why don’t you love me?’, the realisation that you can love someone but they’re allowed to feel and think differently to you.” And the beautiful choral interlude Only So Far Away is dedicated to her father, inspired by the trips he took for work and Mann’s excitement for him to return. “I liked the idea of writing a lullaby for a child, of singing to them: ‘Dads away right now, but he’ll be back soon.’” Amidst the musical experimentation, what remains constant is Mann’s voice, which forms each syllable and sound in the air like wisps of smoke. She sings like she’s whispering her innermost thoughts in your ear, each word delicate but holding within it an entire world.

Final track Girls brings Roxwell to an end with a strawberry sweet portrait of Mann’s two childhood best friends and their memories of growing up together. “We were girls first”, Mann whispers in a gentle refrain, weaving together the album’s threads into a final love letter to her loved ones.

The album ends with a home video clip of baby Matilda cooing: “Goodbye!”. With that, Roxwell sends us off with an echo of innocence, and Mann into the world as a young adult buoyed by the wonder and warmth of her younger self. Wherever she goes and whatever she does, we know it’ll be with love.

Photo Credits: Katie Silvester

Präsentiert von TheWolf Radio.

The Delines entstanden aus der Asche von Richmond Fontaine: RF-Leadsänger/Songwriter Willy Vlautin, Schlagzeuger Sean Oldham und Bassist Freddy Trujillo schlossen sich mit der großartigen Sängerin Amy Boone und Cory Gray an Tasten und Trompete zusammen.

 „Nach fast zwei Jahren des Aufnehmens, Mischens und Bastelns haben wir der neuen Platte gerade den letzten Schliff gegeben. Es ist unser bisher ehrgeizigstes Stück und Boones Gesang ist umwerfend schön.“

Ihr Debütalbum COLFAX erschien 2014 und überraschte Fans und Kritiker gleichermaßen. COLFAX erinnerte an einen heruntergekommenen Dusty Springfield oder einen müden Rickie Lee Jones und schaffte es zum Jahresende auf über ein Dutzend Top-Ten-Listen. Es dauerte vier Jahre, bis ihr zweites Werk veröffentlicht wurde. Sängerin Amy Boone verbrachte einen Großteil dieser Zeit in Krankenhausbetten, um sich von schweren Verletzungen zu erholen, die sie sich bei einem Autounfall in Austin, Texas, zugezogen hatte. Als sie gerade stark genug war, um zu stehen, beendete sie die Gesangsspuren für THE IMPERIAL, eine Platte, die zwei Wochen lang an der Spitze der offiziellen Americana-Charts Großbritanniens stand und bei der die Band in ganz Großbritannien und Europa ausverkaufte Shows spielte. Die Band kehrte mit ihrem filmischen dritten Album THE SEA DRIFT zurück, das sowohl Americana UK als auch BBC6 Gideon Coe zusammen mit über zwanzig Jahresendlisten in Großbritannien und der EU zum „Album des Jahres“ gekürt haben.  Die Band trat mit ihren intensiven Live-Shows auf End Of The Road, Take Root, Black Deer und vielen anderen europäischen Festivals auf.

Willy Vlautin ist kein Unbekannter, wenn es um den Beifall der Kritiker geht. Er genießt Erfolge und begeisterte Kritiken von Größen wie der New York Times, der Washington Post, Uncut, dem Rolling Stone und Mojo, sowohl als Musiker als auch als Romanautor mit sieben Büchern im Gepäck. Zwei seiner Bücher, „The Motel Life“ und „Lean On Pete“, sind zu großen Filmen geworden, ein weiteres wird derzeit bei Netflix produziert und im Jahr 2025 veröffentlicht.

Chris Eckman ist einer dieser Songwriter mit dem alchemistischen Touch. Das hat er im Laufe der Jahre als Songwriter der Rock-Folk-Band The Walkabouts aus Seattle sowie in einer viel gelobten Solokarriere mit sechs Alben unter Beweis gestellt. Seine Lieder wurden von Townes Van Zandt, Steve Wynn, Willard Grant Conspiracy (und anderen) aufgenommen und sein letztes Album, das spärliche, eindringliche „Where the Spirit Rests“, gewann 2021 den renommierten Preis der Deutschen Schallplattenkritik Dreieinhalb Jahre später ist er mit „The Land We Knew the Best“ zurück und erzählt neue Geschichten.

Mit einer zeitlosen und dennoch frischen Stimme kreiert Alice Faye aus Glasgow komplizierte musikalische Wandteppiche und durchdringt jede Note mit ihrer stimmungsvollen Herangehensweise an das Geschichtenerzählen. Ihre Kunst strahlt Authentizität aus, vermittelt durch ihre fesselnden Erzählungen ein Spektrum an Emotionen und lädt die Zuhörer ein, die Komplexität menschlicher Erfahrungen zu erkunden. 

Alice zeichnet sich durch mutige Entscheidungen aus und erweitert furchtlos ihren künstlerischen Horizont, indem sie klassischen 70er-Jahre-Pop, 60er-Jahre-Folk und Country-Traditionen mit dramatischen Chanson-Einflüssen von Kultfiguren wie Piaf und Brel verbindet. Ihre Arbeit strahlt eine konfessionelle Qualität aus, die der von Künstlern wie Wainwright ähnelt, und fängt ein einzigartiges und fesselndes stimmliches Können ein. Kombiniert mit ihrem unerschütterlichen musikalischen Selbstvertrauen schafft Alice eine lebendige, farbenfrohe Musiklandschaft, die das Publikum in ihren Bann zieht. 

Zu Alice Fayes musikalischer Reise gehört die Veröffentlichung ihrer auf Klavier basierenden EP „Deadbeat“, auf der sie Themen der Selbstfindung und des persönlichen Wachstums mit Authentizität und Selbstbeobachtung erforscht. Diese EP hat bei BBC Radio 2 und BBC Radio Scotland große Anerkennung gefunden und wurde häufig ausgestrahlt, außerdem wurde sie in renommierten Publikationen wie The List und The Skinny veröffentlicht. Alice ist auf Festivals wie Belladrum, Celtic Connections, Doune the Rabbit Hole, Eden Festival und Fyne Fest aufgetreten. Darüber hinaus unternahm sie gemeinsam mit Phillip Seth Campbell UK-Tourneen, trat auf renommierten Jazzfestivals wie dem Aberdeen Jazz Festival und dem Dundee Jazz Festival auf und unterstützte namhafte Künstler wie BMX Bandits und The Joy Hotel.

Ihre neueste Single „Reject“ ist ein Beweis für Widerstandsfähigkeit und Triumph und weist Parallelen zu Becks ikonischem Titel „Loser“ auf. Es präsentiert Alices einzigartigen Sound, der Elemente von Elton Johns Klavier im Honky-Cat-Stil mit Soul-Pop-Vibes der 70er Jahre verbindet. Zu den jüngsten Auszeichnungen zählen ausverkaufte Shows in London, Edinburgh und Glasgows Cottiers, die das Publikum fesseln und eine engagierte Fangemeinde aufbauen, zu der angesehene Musiker wie Nick Lowe, Belle & Sebastian und Nadine Shah gehören. 

Alice Faye wurde 2023 bei den Scottish Alternative Music Awards als beste Akustik-Actin ausgezeichnet. Zu ihren bevorstehenden Plänen gehört es, Rufus Wainwright im Mai 2024 zu unterstützen und damit ihren Status als eines der vielversprechendsten neuen Musiktalente Schottlands weiter zu festigen.

Patrick James ist ein australischer Singer-Songwriter, dessen emotionales Geschichtenerzählen und sein herzlicher Sound ihm eine treue weltweite Fangemeinde eingebracht haben. Patrick ist für seine zutiefst persönlichen Texte und sein melodisches Können bekannt und hat seinen Platz als einer der angesehensten unabhängigen Künstler Australiens gefestigt. Mit der Veröffentlichung seines dritten Studioalbums Glory Days im Jahr 2024 entwickelt er sich musikalisch weiter und bleibt dabei dem authentischen Sound treu, der ihn bei Fans weltweit beliebt gemacht hat.

For a young artist releasing only their first single, Sebastian Schub (pronounced Shoob), has long been putting in the hard yards. If finding a fanbase is commonly sought surfing and serving the myriad algorithms online, it’s become almost a rarity to find a musician adopting an old-school approach, trekking from city-to-city, venue-to-venue finding pockets of new fans out on the road. Sebastian has found solace and success by taking great care of both approaches.

Raised by his mother in Hamburg before moving across to London in his mid-teens, Sebastian grew up being encouraged to commit fully to whatever creative endeavour he felt most passionately about.

"Jacob Alon is a Scottish singer-songwriter with a profound gift for storytelling. Both intimate and devastatingly introspective, their music is touched by a rare timelessness. Drawing fair comparisons to artists such as Jeff Buckley and Rufus Wainwright, Alon’s sound cuts through the air with powerful and haunting vocals, intricate guitar playing, and pensive, poetic lyrics.

Alon was born and raised by a young single mother in the quiet suburbs of Dunfermline, Fife, between the winding woods and industrial park mystics. They learned their first piano piece from their mum for a school show at age 9 and later picked up the guitar at 15, enchanted by the intimate, somber beauty of wizards such as Nick Drake and Adrianne Lenker.

Alon began writing songs in school as a way of making friends laugh but never considered a career in music possible until much later. While studying medicine at university, Jacob found themself deeply confused and unhappy, only finding joy when making music. To the disapproval of their family, they decided to drop out and pursue their true dream full-time. Creating is part of who Jacob fundamentally is - a lens by which they process and understand experiences in the world.

You’ll often find Jacob playing in the folk bars of Edinburgh and sneaking into places they shouldn’t be. They like roasted aubergines and great Scots Pines, and appreciate the cozy smell of warm wet earth outside their window as they dances, naked, in their flat when no one else is home.

Präsentiert von rausgegangen, mostdope und Flutwelle.

Präsentiert von SZENE Hamburg.

Lässig groovendes Soul-Quintett aus Dänemark, das klingt als hätte man James Brown, Marvin Gaye und The Black Keys in einen Topf geworfen.

Vorsicht! Ganz heißes Eisen. Wenn man bei D/troit vor der Bühne steht und sich langsam den rhythmischen Zuckungen des eigenen Körpers hingibt, kann man kaum glauben, dass diese gut gekleideten Herren nicht aus jener legendären Stadt kommen, auf die sich ihr Name bezieht. Ihr Sound ist nämlich genau die Melange aus 60s-R’n’B, Funk, Soul und Rock’n’Roll, die in Detroit immer noch am schönsten gemischt wurde.

D/troit sind tatsächlich Dänen, obwohl Bandleader und Sänger Toke Bo Nisted klingt, als hätte er schon damals die Clubs von Motor City unsicher gemacht. Das aktuelle Album von D/troit trägt den Titel „Heavy“ und beginnt mit einem Song gleichen Namens, der einen sofort in diese beschwingte, geschichtsreiche Klangwelt zieht. Getreu dem Titel wird der Sound von einem gewichtigeren, von HipHop inspirierten Gefühl dominiert, das mit einem sicheren und leichtfüßigen Twist aus Soul und Funk zu Themen wie Hoffnung, Liebe und den kollektiven Herausforderungen, denen wir alle gegenüberstehen, serviert wird. Es ist düsterer und klingt ebenso klassisch wie modern.

Wer also Lust auf einen perfekten Abend voller Soul und vielleicht in der heimischen Plattensammlung Alben von Curtis Harding, Sharon Jones & The Dap Kings, The Bamboos, Alabama Shakes, The Teskey Brothers, Durand Jones & The Indications stehen hat – der wäre hier goldrichtig aufgehoben.