Präsentiert von ByteFM.

Nach acht Jahren Pause melden sich The Barr Brothers mit ihrem vierten Studioalbum „Let it Hiss“ eindrucksvoll zurück. Das Werk steht für Aufbruch, Ehrlichkeit und Wiederentdeckung – ein Album, das Unvollkommenes feiert und den rohen, lebendigen Sound der Band neu entfacht.

„Wir haben aufgehört, so zu tun, als wäre schon alles gut, und angefangen, wirklich hinzuhören“, sagt Andrew Barr. Produziert wurde das Album von den beiden Brüdern selbst in ihrem Studio in Montreal, mit tatkräftiger Unterstützung von Jon Low (The National, Taylor Swift, Bon Iver). Musikalisch verbindet ihr neues Album aber ähnlich wie ihre bisherigen Werke handgemachten Folk, Americana und experimentelle Indie-Klangfarben – mal intim und leise, mal dynamisch und voller Spielfreude. Highlights wie „Run Right Into It“ , „English Harbour“ und „Moonbeam“ zeigen die Band in absoluter Bestform: ehrlich, offen und ungeschliffen.

Nach einem Auftritt im Vorprogramm von Mumford & Sons im November 2025 in Berlin werden The Barr Brothers demnächst diese neue Energie endlich wieder auch bei eigenen Shows in Deutschland live auf die Bühne bringen. Fans dürfen sich auf mitreißende Abende freuen – zwischen leisen Momenten und purer, elektrisierender Spielfreude.

Da muss tatsächlich erst eine italienische Band kommen, um der Bluegrass-Gemeinde in USA zu zeigen, wie die Musik in den goldenen 50er Jahren des Genres geklungen hat. Ohne jegliche Modernismen führen die fünf Italiener zurück zum wilden, rauen und energiereichen Sound der frühen Jahre. Dabei klingen sie nicht nur frappierend nah an den Originalen (von denen keiner mehr wirklich aktiv ist), sondern sehen auch aus, als wären sie einer Show dieser Zeit entsprungen.

Detailverliebt zeigen sie sich in cooler stilsicherer Bühnenkleidung und benötigen (wie bei einer Show in einer Scheune im tiefen Hillbilly Country) nicht mehr als ein einziges Mikrofon, um das sie sich dynamisch und doch komplex choreographisch gruppieren. Ihr intensiver, mehrstimmiger Gesang klingt wie auf einer alten Schallplatte und verrät praktisch keinen Akzent, wie selbst ein Kritiker des bedeutendsten Fachblatts „Bluegrass Unlimited“ bewunderte. Mit einem der wichtigsten und typischen Elemente der frühen Zeit, der humorvollen und abwechslungsreichen authentischen Bühnenshow sowie ihrem italienischem Charme begeistern sie jedes Publikum. 

Gegründet wurde die fünfköpfige Gruppe von zwei Legenden der italienischen Szene. Da ist Mandolinist Matt Ringressi, fanatischer Schallplattensammler, Kulturkenner und Spezialist der Mode der 40er und 50er Jahre. Die ersten Banjoklänge hörte er mit drei Jahren in der Muppet Show (!), wechselte dann zu Geige und Mandoline und war schon auf vielen prestigeträchtigen Bühnen weltweit Gast. In seinem dynamischen Mandolinen-Spiel finden sich Bluegrass, Country und Rockabilly Einflüsse. 

Ihm zur Seite steht Ruben Minuto,kraftvoller und stilsicherer Sänger der Extraklasse. Seine Karriere führte ihn immerhin auf das zentrale und größte Bluegrass Festival IBMA ebenso wie auf das Chicago Blues Festival und eine Menge anderer Bühnen weltweit. Mit kraftvollem Rhythmus-Gitarrenspiel treibt er die Band in den typischen „Groove“, ohne den gute Bluegrass Musik nicht funktioniert. 

Am original 5string Banjo von 1954, mit explodierender Energie, steht Germano Ciavone. Er spielt im essentiellen „Scruggs“ Style (benannt nach Banjo Urvater Earl Scruggs) und ist ein profunder Kenner der „early days of Bluegrass“. Wenn er aus dem Hintergrund mit seinem Instrument für ein Solo nach vorne ans Mikrofon springt ist Szenen-Applaus angesagt. Nebenbei beschäftigt er sich mit Zügen, vor allem alten Dampfloks, einem zentralen Thema der alten Country Musik. Am skurrilen Dobro, einer Art Hawaiigitarre, die man mit einem Stahlstab waagrecht vor dem Bauch spielt, findet sich Denny Rocchio. Seine großen Einflüsse sind Oswald Kirby und „Uncle“ Josh Graves, (Father of Bluegrass Dobro) Die Rhythmusmaschine des Ensembles ist Emanuele Valente am Kontrabass, den er auf verschiedene typische Arten spielt.

Präsentiert von Good Times, Classic Rock & ByteFM.

1970 auf Canvey Island, Essex, gegründet, erreichte Dr.Feelgood mit ihrem Album „Stupidity“ nach ihrem No.1 Erfolg in den U.K. Charts Fans aller Coleur. Weitere Erfolge mit Single Veröffentlichungen folgten mit Songs wie Roxette, Back in the Night, Milk and Alcohol, Down at the Doctors. Ihre Version von See You Later Alligator erhielt sogar Gold Status! 

Mit Kevin Morris am Schlagzeug, Phil Mitchell am Bass und Gordon Russell an der Gitarre stehen seit 1983 noch immer Musiker der letzten Besetzung um Original-Sänger Lee Brilleaux auf der Bühne. Er verstarb 1994 und wurde seit 1999 durch Robert Kane (früher The Animals) ersetzt.

Auch wenn Dr.Feelgood weiterhin Alben veröffentlicht, zuletzt „Live in Caen“ (2024) und „Damn Right!“ (2022), bleibt das eindeutige Markenzeichen ihre fesselnde Live-Show! Man kann die Energie noch immer spüren, mit der die Band einst die Musik-Clubs auf der ganzen Welt auseinandergenommen haben.

Rob Heron & The Tea Pad Orchestra sprengen seit über einem Jahrzehnt mit Begeisterung Genregrenzen und vermischen Rockabilly, Blues, Country, Swing, Soul und mehr zu einem musikalischen Schmelztiegel – und klingen dabei immer ganz nach sich selbst. Die Band, die in Newcastle beheimatet ist, aber aus ganz Großbritannien stammt, hat fünf Alben veröffentlicht und ausgiebig in Großbritannien und Europa getourt. Ihre Auftritte reichten von Glastonbury und dem Cambridge Folk Festival bis hin zu Dorfgemeinschaftshäusern und Scheunen. Bekannt für ihre energiegeladenen Live-Shows und ihren trockenen Humor, tourten sie bereits mit Größen der Americana-Szene wie Pokey LaFarge, The Dead South und Sierra Ferrell. Ihre Musik erschien bei Sleazy Records (Spanien) und Migraine Records (Deutschland), sie waren mehrfach in der BBC-Sendung „Loose Ends“ auf BBC Radio 4 zu Gast und ihre Musik wurde von Größen wie Marc Riley und Huey Morgan gespielt.

Ihr sechstes Album „Feet First“ wurde in nur zwei Tagen in den Lightning Recorders in Berlin aufgenommen. Das Studio ist bekannt für seine authentischen Analogaufnahmen, live im Studio und direkt auf Band. Dieses „Einfangen eines musikalischen Moments“ ist auf der neuen Platte des Tea Pad Orchestra deutlich zu hören.

Flo Naegeli ist ein Sänger und Multiinstrumentalist aus Dresden. Sein Sound verkörpert einen Indie-Soul-Pop-Stil, der von namhaften Künstlern wie Jordan Rakei, Stevie Wonder und Benny Sings inspiriert ist. Mit einem ausgeprägten Verständnis für verschiedene musikalische Elemente ist Flo Naegeli geschickt im Schreiben, Arrangieren und Aufführen seiner einnehmenden und authentischen Tracks, wobei er sein Können an Schlagzeug, Gesang, Bass und vor allem an der Gitarre unter Beweis stellt. Zusätzlich zu seinen Fähigkeiten als Songwriter und Performer hatte Flo die Gelegenheit, die Bühne mit Musikern zu teilen, darunter Isaiah Sharkey, Larnell Lewis, MonoNeon, Vincen Garcia und Joscho Stephan. Flo bereitet derzeit die Veröffentlichung seiner zweiten EP vor, die für 2025 geplant ist!

Prosa & Poetry auf Gedeih & Verderb – fünf Minuten gehört die Bühne dem wagemutigen Dichter, dann wird abgerechnet, mit Punktwertungen von 0 bis 10. Das tut manchmal weh, macht aber Spaß. Linderung versprechen die sanften Klänge von DJ Blume!

Your hosts: MC Pospiech & MC Uebel

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It is what it is till it is what it isn’t!

LONELY SPRING wollen keine absoluten Lösungen anbieten, für alle Fragen, die sie und ihre Zuhörerschaft plagen, aber sie eröffnen den Misfits dort draußen ein Momentum, in dem sie zusammen für eine kurze Zeit Kraft tanken können.

LONELY SPRING sind drei Jungs, die sich bereits seit der Schulzeit kennen und miteinander musizieren. Damals noch in einem Proberaum in einer 7000-EinwohnerInnen-Stadt. Doch die Träume waren groß und genauso stark war der Wille sie zu erreichen. Sie wollten etwas verändern, sie wollten, dass sich die Welt verändert. Ihre Helden haben ihnen bewiesen, dass man alles schaffen kann, wenn man immer wieder aufsteht und die Stimme erhebt, wenn man immer dann, wenn man sich verliert, für die Welt und für sich selbst singt. Jahre später ist es nun soweit: ihre Blicke richten sich gen Rockolymp. Sie sind bereit in die Fußstapfen ihrer Helden zu treten. Bereit, alles zu verändern.

LONELY SPRING ist für alle, die sich nicht verstanden fühlen, die immerzu ermahnt werden, sich anzupassen, um nicht in der Masse zu ertrinken. LONELY SPRING ist ein Auffangbecken für alle jene, die daran erinnert werden müssen, dass sie gut sind, so wie sie sind und sie nicht in der Masse untergehen, sondern über ihr hinwegfliegen werden. Dabei kommen LONELY SPRING mit einer gewaltigen Pop-Punk-Emo-Attitüde. Ihre Musik wird getragen von hymnischen Chorussen, die schon nach einmal hören für immer im Kopf stecken bleiben. Unterlegt durch punkige Drums und treibende Basslines, die vermuten las- sen, Travis Barker und Mark Hoppus hätten sie selbst gespielt. Getoppt von melodischem Gesang, der so klingt, als hätten Avril Lavigne und Panic! At the Disco ein Kind gezeugt, während sie American Pie schauten.

Schon die erste Single der aktuellen LONELY SPRING-Ära ‚Misfit‘ erreichte mittlerweile auf Spotify allein über 2,1 Millionen Streams und auf YouTube mehr als 212k Views. Außerdem waren LONELY SPRING mit ‚Misfit‘ Teil des deutschen Vorentscheids für den Eurovision Song Contest ‚Unser Lied für Liverpool‘ mit rund 2 Millionen ZuschauerInnen. Anschließend waren auch die darauffolgende Single ‚Shipwreck‘ und der Release des Pop-Punk-Covers vom ESC- Klassiker ‚Save Your Kisses for Me‘, sowie die Radiosingle ‚I Just Wanna Dance‘ und der Pop- Punk-Banger ‚Future Ex‘ ein voller Erfolg. ‚I Just Wanna Dance‘ wurde dabei nicht nur von vielen Radios gespielt, sondern kam auch unter anderem in die Rotation bei Bayern3.

LONELY SPRING haben mit ihrer Debüt-EP ‚Lovers & Strangers‘ bereits 1,6 Millionen Streams auf Spotify erreicht. Darunter befindet sich die Single ‚For the Sake of Your Heart‘, welche auf YouTube mittlerweile über 112k Views erzielen konnte. Außerdem wurde das Debütalbum ‚Change The Waters‘ bisher insgesamt über 2,3 Millionen Mal allein auf Spotify gestreamt.

Präsentiert von ByteFM.

The Franklin Electric aus Montreal, angeführt von Jon Matte, hat sich von einem persönlichen Ventil zu einem bekannten Indie-Folk-Namen mit einer treuen internationalen Fangemeinde entwickelt.

Nach zwei intensiven Tourjahren, darunter vier Europatourneen in diesem Jahr und der Veröffentlichung ihrer neuesten LP „Victory Songs“, befinden sich The Franklin inmitten einer kraftvollen zweiten Welle und erobern die Herzen von Zuhörern weltweit. Die Band kehrt für Auftritte im MTelus in Montreal und im Impérial Bell in Quebec City nach Hause zurück und freut sich auf eine Headliner-Tour durch Europa und Großbritannien im Frühjahr 2026.

Der australische Singer-Songwriter Ben Camden kehrt im Frühjahr 2026 nach Europa und Großbritannien zurück! Nach der Veröffentlichung seines dritten Albums „Sunflowers“ im Jahr 2025 präsentiert Ben Songs und Geschichten aus seinem kommenden vierten Album sowie alte Favoriten und neue Stücke. Verpassen Sie nicht die Gelegenheit, einen intimen und herzerwärmenden Abend mit Ben Camden zu verbringen! 

Authentisch und aufrichtig – Bens Kindheit im ländlichen Australien und seine Zeit in Fidschi und Europa haben einen einzigartigen Sound geprägt, der gleichermaßen vertraut und genreübergreifend ist. Der Straßenmusiker aus Byron Bay, der sich zum Vollzeit-Tourmusiker entwickelt hat, wechselt mühelos zwischen sanften Akustikballaden und mitreißendem Folk-Rock und begeistert sein Publikum mit seiner bodenständigen Bühnenpräsenz, den liebenswerten Anekdoten zwischen den Liedern und den authentischen Texten.

Sophie Auster über „Milk for Ulcers“: „Dies ist das intimste Album voller unverfälschter Gefühle, das ich je gemacht habe. Während ich es schrieb und aufnahm, starben meine Nichte, mein Bruder und bei meinem Vater wurde Krebs diagnostiziert; ich erfuhr, dass ich schwanger war, brachte am ersten Tag des Jahres 2024 meinen Sohn Miles zur Welt und sah vier Monate später meinen Vater in dem Haus sterben, in dem ich aufgewachsen bin.“ 

Im Zeitalter von KI-Algorithmen, verpackten Emotionen und einer Aufmerksamkeitsspanne von nur 30 Sekunden ist Sophie Auster eine Künstlerin, deren Musik ihren Zuhörern eine andere Welt eröffnet. Obwohl ihre Lieder die Geschichten ihrer eigenen Verluste erzählen, sind Trauer und Wut nach Ereignissen, die wir nicht kontrollieren können, Emotionen, die Menschen teilen und die sie nur schwer verstehen können, trotz des Lärms einer Medienkultur, die Einsamkeit statt Gemeinschaft erzeugt. Als Tochter zweier Schriftsteller wuchs Auster in einem Haushalt auf, in dem Künstler aller Art kamen und gingen, darunter auch Berufsmusiker. Sophie begann mit acht Jahren zu singen und debütierte mit sechzehn mit ihrem ersten Album. Dieses Album wurde von Naive Records in Frankreich aufgenommen, als sie achtzehn war, und erntete in ganz Europa großes Lob von Kritikern, woraufhin sie auf Tournee ging.

Schon früh in ihrer Karriere erregte Auster die Aufmerksamkeit von Modehäusern und arbeitete mit deren Marken wie Chanel, Dior und Ferragamo zusammen und trat bei deren privaten Veranstaltungen auf. 2019 übernahm BMG einen Verlags- und Plattenvertrag für ihr Album Next Time. Im selben Jahr war ihre Single Mexico in dem von John Turturro gedrehten Film The Jesus Rolls zu hören. Auster hat im In- und Ausland Auszeichnungen erhalten, darunter den Hauptpreis beim John-Lennon-Songwriting-Wettbewerb für ihren Song Little Bird und den Preis als Sängerin des Jahres von Cosmopolitan Spain. Auster berichtet, dass ihr der Albumtitel Milk for Ulcers nach einem Gespräch beim Abendessen über antiquierte Heilmittel für verschiedene Beschwerden einfiel: „Milch kann den Schmerz bei Geschwüren zwar vorübergehend lindern, aber tatsächlich verschlimmern. Es ist, als würde man Butter auf eine Verbrennung schmieren.“ Die Ironie liegt auf der Hand, aber was man bei Wunden tun und wie man sie heilen kann, ist ein ungelöstes Rätsel, auf das Auster nicht mit Klischees antworten möchte. Bei „Milch für Geschwüre“ geht es ihrer Meinung nach darum, „offene Wunden zu schließen, auch wenn einige der Behandlungen nur vorübergehend sind.“

Die Songs auf diesem Album spiegeln die komplexen Emotionen wider, die man nach dem Tod eines geliebten Menschen empfindet – Trotz, Wut, Trauer – aber auch Hoffnung und Freude, die das Muttersein mit sich bringt. Der letzte Song des Albums, Blue Team, wurde für Sophies Vater, Paul Auster, geschrieben. Sie arbeitete mit dreifacher Geschwindigkeit daran, ihn fertigzustellen: „Ich bin so froh, dass er ihn hören konnte, bevor er starb.“

Parker Millsap machte sich mit seinen fesselnden Live-Auftritten, seinem gefühlvollen Sound und seinen charakterstarken Geschichten schnell einen Namen. Er feierte eine Reihe von Erfolgen, darunter ein Auftritt bei CONAN, ein gemeinsamer Auftritt mit Elton John beim Apple Music Festival, eine Aufzeichnung von Austin City Limits und eine Nominierung für das Album des Jahres der Americana Music Association. Er teilte die Bühne bereits mit Künstlern wie Jason Isbell, Shovels & Rope, Patty Griffin, Houndmouth und vielen anderen.

Parkers frühe Veröffentlichungen zeugten von seiner Klasse im akustischen Folk-Rock, der sich durch seine Offenheit und mitreißende Dynamik auszeichnete. „Be Here Instead“, Millsaps 2021 erschienenes und von John Agnello produziertes Album, deutete bereits die kommende Wildheit an und erkundete gleichzeitig neue, persönlichere Songwriting-Stile. Parkers neuestes Album „Wilderness Within You“ ist ein natürlicher Schritt in seiner musikalischen Entwicklung und verwebt Elemente seiner Vergangenheit mit neuen Einflüssen zu einem wunderschönen Ganzen.

Im Frühjahr 2026 erscheint das vierte Album der Hamburger Künstlerin LÙISA. Call Me The Witch ist ein feministisches Manifest, das seine hypnotisierende Kraft daraus bezieht, dass LÙISA ihre Female Rage als Superpower entdeckt hat, die sie in kreative Energie und spielerische Leichtigkeit verwandelt.

Die Musik, die sie auf diese Weise geschrieben und in ihrem Hamburger Studio produziert hat, ist ein popmusikalisches Fest für alle Sinne. Sie erzählt vom Suchen und Finden desMagischen in einer entzauberten Welt – und davon, innere Dunkelheit und Wut produktiv zu nutzen. Nachdem alle Tourneen und Konzerte zu ihrem Vorgängeralbum New Woman gespielt waren – unter anderem auf dem Iceland Airwaves Festival und als Support für Arlo Parks –, zog sich LÙISA eine Weile zurück, um sich ein tieferes Wissen über Musikproduktion anzueignen. In ihrem kleinen hölzernen Studio in Hamburg ist so ihr bislang persönlichstes Werk entstanden, und ein gewaltiges Debüt als Musikproduzentin ist ihr gelungen: Ihr Sound schwebt zwischen ätherischen Synth-Flächen, düsteren 80s-Gitarren und treibenden Schlagzeug-Beats. Die besondere Qualität in LÙISAs Kunst liegt darin, wie sie aus Einflüssen von Kate Bush, den Cocteau Twins oder Fleetwood Mac etwas ganz und gar Eigenes formt, das ausschließlich im Hier und Jetzt spielt – zeitlos und doch kompromisslos aktuell.

Für ihre Arbeit wurde sie mit dem FemaleProducer* Prize ausgezeichnet. Die Stücke in Call Me The Witch erzählen von Female Rage, Selbstermächtigung und Widerstand gegen patriarchale Normen sowie dem Erstarken des Autoritarismus – immer auf der Suche nach einer Magie, die uns durch zunehmend nüchterne und dunkle Zeiten trägt. Ihre tatsächliche Witchcraft bezieht diese Musik indes aus LÙISAs spielerischem, souveränem Umgang mit diesen düsteren Themen und daraus, wie sie diese in mitreißende Songs verwandelt: »I want to be the kind of woman that men are scared of when they go home, alone, in the dark«, singt sie im Titelsong Call Me The Witch – und schreibt die Rollen selbstermächtigt kurzerhand um.

Bekannt für ihre energetischen und intensiven Live-Shows wurde LÙISA im Sommer 2025 von Alanis Morissette eingeladen, ihr Konzert vor 10.000 Menschen zu eröffnen. Im Herbst 2025 begleitet sie die britische Mega-Band Simply Red auf deren ausverkaufter Arena-Tour durch Deutschland und die Schweiz.

Nach ihrer ausverkauften MAD Unplugged Tour in Deutschland und England legen Mad Hatter’s Daughter 2026 nach - mit der underCover Tour
in wunderschönen Venues! 

Die Mischung aus emotionalen Popsongs, handgemachtem Sound und Kira’s einzigartiger Stimme schafft eine außergewöhnliche Atmosphäre! 

Erlebt die Magie von Mad Hatter's Daughter live – jetzt Tickets sichern und in eine unvergessliche Nacht eintauchen! 

Präsentiert von kulturnews.

Im Mai 2026 geht Ein Rosenkavalier mit „Die Hoffnung spielt auswärts“ auf Tour und hat seine besondere Mischung aus Indie-Schlager, Herzschmerz und Selbstironie im Gepäck. Unter diesem Motto verwandelt der Musiker intime Spielstätten in Orte großer Gefühle, in denen Melancholie zu Glitzer wird, Herzschmerz in Tanzbarkeit übergeht und Selbstironie ein Lebensgefühl schafft, das die Zuschauer mitten im Alltag abholt. Wer Ein Rosenkavalier live erlebt, spürt sofort, dass hier nicht nur performt wird, sondern dass das Leben selbst auf der Bühne in allen Ligen gleichzeitig spielt. Die beiden Shows versprechen emotionale Auswärtsspiele gegen den SC Weltschmerz, bei denen Hoffnung das Runde ins Eckige bringt und jeder kleine Sieg zelebriert wird. Titel wie „Rennrad Romantik“ beleben das Mittelfeld der Gefühle, während „Fundbüro“ das Tor der Emotionen trifft und „1.FC Hoffnungsvoll“ Punkte für die unscheinbaren Siege des Alltags sammelt. Dabei gelingt es Ein Rosenkavalier, das Scheitern wie eine Siegerehrung klingen zu lassen und die Liebe als ein kostbares Fundstück zu feiern. Seine Texte sind humorvoll, poetisch und voller cleverer Metaphern, die das Publikum zum Lachen, Nachdenken und Tanzen bringen. Die Shows in Hamburg und Berlin werden zu einem besonderen Erlebnis für alle, die Musik nicht nur hören, sondern fühlen wollen. Kleine Bühnen verwandeln sich in emotionale Spielfelder, auf denen jeder Song wie ein eigenes Spiel, ein eigenes Auswärtsspiel gegen die alltäglichen Sorgen wirkt. Ein Rosenkavalier nimmt das Publikum mit auf eine Reise, bei der die Grenzen zwischen Bühne und Publikum verschwimmen und jeder Moment zu einem Teil der gemeinsamen Geschichte wird. Mit „Die Hoffnung spielt auswärts“ lädt Ein Rosenkavalier zu Abenden ein, die Intimität, Energie und große Emotionen vereinen. Ein Rosenkavalier schafft Momente, die lange nachhallen und auch noch lange im Herzen nachklingen. Wer diese Shows im Mai erlebt, darf sich auf ein musikalisches Erlebnis freuen, das Hoffnung, Freude und Emotionen in perfekter Balance vereint und die kleinen Siege des Lebens feiert.

Für eine Band, die vom Zusammenbruch zu leben scheint, ist es fast unglaublich, dass dieses US-japanische Quartett nun schon seit 31 Jahren existiert. Obwohl Deerhoof sich längst als eine der größten Rockbands etabliert hat, veröffentlicht das Quartett neue Alben im Rhythmus einer jungen Band. Jedes Album entdeckt eine bisher unbekannte Kombination aus fordernden Hardrock-Riffs und Free-Jazz-Percussion-Freakouts, seitwärts gerichteten J-Pop-Hooks und furchterregender Dissonanz, pointierten sozialen Kommentaren und surrealistischem Humor. 

Im Zentrum steht Satomi Matsuzakis unverwechselbarer Gesang, dessen schlichte Ruhe seltsam außerhalb des Strudels der Band zu stehen scheint. Ihre Musik ist fröhlich und bedrohlich zugleich, kybernetisch und zutiefst menschlich - sie trägt eine implizite Note von trotzigem Optimismus in sich, indem sie sich weigert, sich Konventionen oder gängigen Weisheiten zu beugen. Genau solche Paradoxien definieren Deerhoof. 

Präsentiert von ByteFM.

Sean Rowe ist ein amerikanischer Singer-Songwriter, Musiker und Sammler, dessen Musik zeitloses Geschichtenerzählen vermittelt. Bekannt für seine beeindruckende Stimme und seine rohe emotionale Präsenz, lobte NPRs All Songs Considered Rowes Gesang mit den Worten: „Mit dieser Stimme kann er Granit zertrümmern. Sie ist so kraftvoll.“ Das Wall Street Journal beschrieb ihn als „so zeitlos wie seine Herangehensweise, die an die ekstatische Intensität von Van Morrison in den späten 60ern und die schlichte Subtilität von Johnny Cash aus der Spätära erinnert.“

Rowe hat fünf Alben und mehrere EPs veröffentlicht und sich einen Ruf für Songs erworben, die sowohl intim als auch filmisch sind. Seine Musik war in Film und Fernsehen zu hören, darunter in den NBC-Serien „The Blacklist“ und „Parenthood“. Sein Song „To Leave Something Behind“ wurde zum Durchbruch, als er 2016 Ben Afflecks Film „The Accountant“ abschloss und über 16 Millionen Mal verkauft wurde.

Phosphorescent, das Alter Ego des amerikanischen Songwriters Matthew Houck, war immer eine Art Seismograf für jene feinen Risse, die sich durch das Leben ziehen. Sein aktuelles Album „Revelator“ beginnt mit einer fast beiläufig hingeworfenen Müdigkeitserklärung: „I got tired of sadness… I got tired of all the madness…“. Eine erschöpfte Bestandsaufnahme, gesprochen mit jener brüchigen Selbstverständlichkeit, die Houcks Werk seit Jahren auszeichnet. Doch dieses Mal wirkt etwas anders.

Der Mann, der einst zwischen Alabama, New Orleans und Kalifornien als Straßenmusiker umherzog, der Kritiker*innen zu Vergleichen mit Neil Young, Will Oldham und sogar Kurt Cobain verleitete, scheint einen neuen Punkt erreicht zu haben: jenen Ort, an dem Erschöpfung zur Erkenntnis wird. „Revelator“ ist ein Album, das sich selbst erst spät zu erkennen gibt – und seinem Autor ebenfalls. Seit „C’est La Vie“ (2018) sind fünf weitere Jahre vergangen, in denen Houck sich durch die diffuse Nachgeschichte der Pandemie, familiäre Routinen und die Schatten früherer Erschütterungen bewegte. Die autobiografische Klarheit seines Vorgängers macht nun einer flirrenden, halboffenen Rätselhaftigkeit Platz. Die Melancholie bleibt, doch sie erscheint verschoben, zögerlicher, in Nebel gehüllt. Songs wie „Fences“, „Impossible House“ oder das von einem Traum inspirierte „Wide As Heaven“ kreisen um Nähe und Entfernung, um die Fragilität eines Lebens, das eigentlich gut sein müsste – und dennoch immer wieder dunkle Räume öffnet. Erstaunlich ist, wie organisch Houck all dies in jene ragged classicism-Ästhetik übersetzt, die Phosphorescent seit „Muchacho“ prägt. Man hört einen Musiker, der sich quält und zweifelt und weitersucht. „To Get It Right“, das epische Finale, wirkt wie ein vorsichtiger, aber dennoch trotzig gesetzter Schlussstrich: ein Bekenntnis zum Dranbleiben, zum Ringen um Wahrheit, zur Unmöglichkeit, je wirklich fertig zu sein. Und doch gewinnt man den Eindruck, dass Phosphorescent gerade live am vollständigsten existiert.

Auf der Bühne wird aus Houcks introspektiver Schwere eine Art gemeinschaftliches Schweben – jene Mischung aus rauer Direktheit und ätherischer Wärme, die seine Songs seit jeher tragen. Tourneen waren für Houck immer Erprobungsräume: Orte, an denen Lieder atmen lernen und ihre Gestalt verändern, an denen Pathos plötzlich Humor annimmt oder eine beiläufig gespielte Pedal Steel den ganzen Saal vibrieren lässt. Nach Jahren der pandemischen Stille und des Rückzugs wirken seine jüngsten Auftritte wie eine Rückkehr zur alten, ungestümen Lebendigkeit. „Revelator“, im Studio ein suchendes Werk, entfaltet live jene Kraft, die Houck meint, wenn er sagt: „Yeah, we got this.“

Präsentiert von kulturnews & MusikBlog.

Der kanadische Folk-Pop-Sänger Forest Blakk hat sich zur Lebensaufgabe gemacht, Liebesgeschichten aller Art zu vertonen und konnte so bereits über 1,3 Milliarden Streams erzielen. Seine intime und eingängige EP „Every Little Detail“ mit seiner platin-zertifizierten Hit-Single „If You Love Her“ bescherte ihm sein offizielles US-Billboard-Chart-Debüt; sein nationales US-TV-Debüt in der ABC-Sendung „Live with Kelly & Ryan“ gab ihm einen Platz unter den Top 30 der Hot AC Radio Charts und eine Zusammenarbeit mit Meghan Trainor in einer atemberaubenden Duett- Version. Blakks nachfolgende, mit Gold ausgezeichnete Single „Fall Into Me“ (gemeinsam geschrieben mit Matchbox Twenty-Frontmann Rob Thomas und Gregg Wattenberg) erreichte die Top 30 der Hot-AC-Radio-Charts.

Des Weiteren ist Blakks Katalog zu einem festen Bestandteil der Netflix-Serie „Love Is Blind“ geworden, deren Macher*innen ihn zum „Schutzpatron“ der Serie ernannt haben. Die Los Angeles Times schrieb dazu: „(Blakks) ernsthafte Midtempo-Liebeslieder sind in ‚Love is Blind‘ fast genauso oft zu hören wie die Moderatoren Nick und Vanessa Lachey“. Blakk wurde vom PEOPLE Magazine als einer der „talentierten Nachwuchskünstler, die die Musiklandschaft prägen“ hervorgehoben und von Billboard als „aufstrebender Künstler“ bezeichnet. Der aus Montreal stammende Musiker debütierte 2018 mit seiner EP „Minutes“ und legte 2020 mit seiner zweiten EP „Sideways“ nach – letztere entstand in Zusammenarbeit mit Will IDAP (Train, Florida Georgia Line), Nick Long (King Princess), Carl Ryden (Ricky Martin, David Guetta) und Ollie Green (Freya Ridings, Gavin James), um eine Liebesgeschichte aus einer realistischen und ehrlichen Perspektive zu erzählen. Die 6-Track-Sammlung enthielt die Singles „I Wish I Knew“ (von American Songwriter als „introspektiver Blick auf die Liebe und verlorene Liebe“ bezeichnet) und die mitreißende Hymne über die eigene Widerstandsfähigkeit „Put Your Hands Up“, die in einer Folge der Serie „Grey’s Anatomy“ debütierte. 2024 erschien seine EP „Undone (Love & Loss)“ mit dem Titel „The Anchor & The Kite”, der bei verschiedenen Filmfestivals sieben Auszeichnungen erhielt.

Sprießende Sonette, blühende Bonmots, knospende Kapriolen – der Frühling lacht auf Slamburgs Bühne, das Publikum rekelt sich in üppiger Dichtung, und über allem gießt DJ Blume (sic!) sein musikalisches Füllhorn aus!

Your hosts: MC Pospiech & MC Uebel

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Die aus Nashville stammende Americana-Rockband Cordovas kündigt die Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten fünften Studioalbums „Back to Life“ an, das am 30. Januar 2026 über Yep Roc Records/Redeye erscheint. Bekannt für ihre gefühlvollen Harmonien, poetischen Songtexte und kosmischen Improvisationen, wird die Gruppe seit Langem mit The Band, Grateful Dead und Crosby, Stills & Nash verglichen. Mit „Back to Life“ schärfen sie ihre musikalische Identität: bühnenerprobt, tief in der Tradition verwurzelt und entschlossen, sich auf ihre eigene Art und Weise Respekt zu verschaffen. Das Album enthält zudem eine herausragende Zusammenarbeit mit dem dynamischen amerikanischen Komponisten Kamasi Washington, die das musikalische Spektrum der Band erweitert.