Präsentiert von kulturnews.

Die 5-köpfige kolumbianische Band SKAMPIDA gründete sich im Jahr 2000 in Bogota. Sie präsentieren mit Ihrem Rock-Mestizo einen wilden Mix aus Reggae, kolumbianischer Folklore, Cumbia, HipHop und Punk Musik. Mit Ihrer energetischen Live Show brachten sie es bereits zu zahlreichen Nominierungen in Südamerikanischen Musikzeitschriften und Wettbewerben als beste Live Band und beste Ska Reggae Band Kolumbiens. Bei Ihren bisher über 1000 Auftritten in Lateinamerika, den USA, Kanada und Europa teilten sie die Bühne mit Acts wie: The Skatalites, Dead Kennedys, Manu Chao und vielen anderen.

Mick Flannery kehrt zurück auf die deutschen Bühnen! Der irische Singer-Songwriter wird im November dieses Jahres für acht Shows nach Deutschland kommen und mit großer Sicherheit unvergessliche Live-Performance bieten. Nach einer langen Zeit der Abwesenheit wird er seine Fans erneut mit seiner einzigartigen Stimme und seinen emotionalen Songtexten begeistern. Ein besonderes Highlight für alle Musikliebhaber*innen und Fans von Leonard Cohen, Bob Dylan oder Tom Waits.

Mit seiner aufrichtigen und unverfälschten Musik hat Flannery innerhalb kürzester Zeit Irlands Musikszene auf den Kopf gestellt. Seine Alben "Red to Blue" (2012, EMI) und "By the Rule" (2014, Universal) haben ihm nicht nur mehrere Platin-Auszeichnungen in Irland eingebracht, sondern ihn auch in Deutschland fest etabliert. Flannery hat ein unglaubliches Talent dafür, Texte und Melodien zu erschaffen, die sich tief in die Herzen seiner Hörer*innen einbrennen - ob es sich dabei um sanfte Balladen oder rockige Nummern handelt.

Er gewann im Alter von 19 Jahren gleich in zwei Kategorien beim International Songwriting Competition in Nashville - als erster irischer Musiker überhaupt. Als Teenager schrieb er unermüdlich Songs und hatte mit 21 Jahren bereits seinen ersten Major-Plattenvertrag in der Tasche. Sein Debütalbum "Evening Train", ein Konzeptalbum, das die Geschichte zweier Brüder erzählt, war ein voller Erfolg.

Mick Flannerys starke Bühnenpräsenz ist einzigartig und es ist ohne Frage, dass er auch bei zukünftigen Tourneen das Publikum in seinen Bann ziehen wird. Seine Musik berührt die Seele und seine Texte treffen mitten ins Herz. Fans können sich auf eine intime und akustische Atmosphäre freuen, die einige von Flannerys bekanntesten Songs sowie einige neue, noch unveröffentlichte Tracks enthalten wird.

Einer der einflussreichsten britischen Produzenten elektronischer Musik Rival Consoles meldet sich mit seinem neuen Album Now Is zurück und schlägt damit ein neues Kapitel in seinem ständigen Streben nach Verfeinerung und Weiterentwicklung auf.

Der in London ansässige Produzent Ryan Lee West, besser bekannt unter dem Namen Rival Consoles, ist bekannt dafür, Synthesizer menschlich und atmosphärisch klingen zu lassen. Im Laufe seiner fünfzehnjährigen, von Kritikern gefeierten Karriere hat sich seine Musik von der herausfordernden Elektronik seiner frühen EPs zu einer immer konzeptionelleren und metamorphen Musik entwickelt. 

2022 veröffentlichte Rival Consoles sein letztes Studioalbum Now Is bei Erased Tapes und präsentiert es mit einer brandneuen, einzigartigen Performance in Form einer immersiven audio-visuellen Erfahrung, in der er Material aus dem letzten Jahrzehnt seiner Karriere und darüber hinaus vorstellt. Von tiefgründigen Ambient-Werken bis hin zu seiner einzigartigen Version von Techno und dem weiten Spektrum dazwischen wird die Show eine lange Erzählung von Ideen sein, von denen viele zum ersten Mal live zu hören sind.

Präsentiert wird die Tour von kulturnews und event.

Kanadische Indie-Folk-Band Shred Kelly ab November auf Clubtour
in Deutschland.

Wenn eine Band den Deutschlandableger ihrer Clubtour in einer Bar im schönen Niederrhein-Örtchen Rees-Haldern beginnt, verheißt das in den meisten Fällen schon einmal Gutes. Immerhin ist die Haldern Pop Bar sozusagen der Ableger des Haldern-Festivals, das seit
mittlerweile 40 Jahren jeden August fantastische Musik jenseits aller Hypes ins Dorf holt. Die kanadische Band Shred Kelly passt da also gut hin, vor allem weil ihr Sound auf halber Strecke zwischen Folk und Indie der Haldern-DNA recht nahe ist. Tim Newton, Sage McBride, Ty West und Ryan Mildenberger sind in den kanadischen Rockies aufgewachsen, lassen diese majestätische Landschaft aber nur zu gerne immer mal wieder hinter sich, um die Musik-Metropolen, Kanadas, Amerikas und Europa zu bespielen.
Ihre zugleich hymnischen und melancholischen Songs wie „Sing To The Night“, „Going Sideways“ oder zuletzt „Days We Have Left“ sind wie dafür gemacht, einen nebligen Novemberabend zu versüßen. Das Debüt der Vier, „In The Hills“, erschien bereits 2012 und hatte mit „The Bear“ schon einen kleinen Indie-Hit zu verzeichnen. Ihr Zweitling „Sing To The Night“ von 2016 ließ dann auch außerhalb Kanadas aufmerken, woran der Titeltrack nicht ganz unschuldig ist. Das sphärische Intro, die Akustikgitarre, die sich langsam einklinkt, die Lyrics, das plötzliche anziehende Tempo nach 90 Sekunden – wer hier ruhig stehen bleibt, fühlt auch sonst nichts mehr. Nach „Archipelago“ (2018) und „Like A Rising Sun“ (2020) steht nun das neue Album „Blurry Vision“ in den Startlöchern, das hierzulande am 20. Oktober erscheint und natürlich ein Grund ist, warum man Shred Kelly endlich mal wieder live erleben darf. Die bisherigen Singles lassen schon mal Großes erwarten: „Days We Have Left“ ist eine wehmütige, wunderschöne Folkballade, bei der Sage McBride die Lead Vocals hat. „Cracks In The Finish“ setzt eher auf Indie-Schmiss und Tim Newtons charismatische Stimme. Er teilt sich mit Sage Songwriting und Sanges-Pflichten. „Nothing For A While“ wiederum ist eine herrlich melodiebesoffene Reizüberflutung, die man unbedingt vor sich auf einer Bühne performt sehen will – vor allem den Banjo-Wahnsinn am Ende…

PhotoCredit: Lyle Bel

Haller ist Indie. Haller ist Pop. Haller ist Zeitgeist und gleichzeitig zeitlos. Der gebürtige Aachener macht Musik seit er denken kann. Seine Liebe für Prince hat er wohl von seinen Eltern in die Wiege gelegt bekommen, genau wie seine erste Gitarre. In mittlerweile zwei EPs, seinem Indie-Hit „Schön Genug“ und dem Debüt Album „Kuss“ reflektiert Haller präzise und einfühlsam wie kein anderer die Fragen der Generation Y. Er spielt mit der Sprache, als wäre sie ein Zauberwürfel, den es nur zu lösen gilt. Erscheinen die Themen noch so schwer und erdrückend, Haller schafft es sie mit der nötigen Leichtigkeit zu präsentieren. Die Gitarre ist dabei nie ganz verschwunden, aber dennoch inspiriert sich Haller bei allem was er mag. Irgendwo zwischen Bon Iver, Frank Ocean und Kummer hört man in seinen Songs pulsierende Synth-Bässe, treibende Hip-Hop Beats und fragile Sample-Klangwelten.

Präsentiert von Hamburger Morgenpost.

Leith Ross‘ leiser und nuancierter Gesang fesselt sofort. Anfangs meist begleitet von einer akustischen Gitarre, aber inzwischen auch mit üppigerer Instrumentierung und Arrangements, singt Leith ganz zart, aber standhaft die Songs. Die behandeln oft schwierige Themen. So entschied sich Leith Ross, für den Song „We‘ll Never Have Sex“ eine Trigger-Warnung zu setzen, dass er von den Erfahrungen mit sexualisierter Gewalt handelt. Gleichzeitig hält Leith die Lyrics in einer eigentümlichen Schwebe und bringt damit Verletzlichkeit umso deutlicher zum Ausdruck. Gerade darum hatte dieser Track eine große Wirkung, als er vergangenes Jahr auf TikTok veröffentlicht wurde. Zigtausende Reaktionen der jungen Fans, die ihre eigenen Erlebnisse mit ihrer Sexualität geteilt haben, beweisen, dass Leith ihr Gefühl getroffen hat. Dass Troye Sivan den Song sogar in den sozialen Netzwerken begeistert coverte, gehört ebenfalls zum Erfolg des Stücks, wie die positiven Kritiken wie die des Clash Magazines: „Man erkennt Leiths universelle Anziehungskraft sofort am grazilen Songwriting, das in seiner gedämpften Intimität an Phoebe Bridgers oder Clairo erinnert.“ Leith Ross war schon immer ein sensibler und übermäßig künstlerischer Mensch. Mit zwölf Jahren schrieb Leith die ersten Songs und erkannte darin die eigene Lieblingsmethode, künstlerisch zu arbeiten. 2020 erschien die erste EP „Motherwell“, jetzt folgt das Debütalbum „To Learn“, auf dem Leith ganz verschiedene Gefühlswelten zum Ausdruck bringt. In „(You) On My Arm“ beispielsweise geht es darum, dass man sich in jemanden verknallt. Das komme vor, „zum Glück und leider“, sagt Ross selbst. Und tatsächlich spiegelt die größere musikalische Ausarbeitung des Songs genau diese Gegensätze wider, das Aufbrausen und Zurücknehmen. Leith Ross hat es geschafft sensible Themen in Lieder zu packen, die den Hörer*innen sofort ins Hirn und ins Herz gehen. Letztes Jahr begeisterte Leith Ross schon im Vorprogramm von Andy Shauf, jetzt kommt Leith Ross im November erstmals zu uns auf Headliner-Tour.

Präsentiert von OX Fanzine & kulturnews.

What do you know about Ruts DC? What do you want to know about Ruts DC? It’s nearly fifty years since the two sevens clashed. In a little over fifty more years, they will clash again.

Roughly around the time they last clashed the Ruts were hot wiring barbed wire guitar, passionate poetry and rhythm weaponry together somewhere in a London that probably does not exist anymore. Splicing heat haze dub thinking to the energy flash of punk ,close to the big bang of late twentieth century culture. Open to ideas. Committed to ideals.

Some band’s sound punk. Some look punk. Some even look and sound punk. And some, simply, are punk. The Ruts were early challengers to the misunderstood notion that punk was a somewhat luddite dogma wherein complexity, creative exploration and musical prowess were considered a shameful affectation.

Ruts and Ruts DC songs move with a precise muscularity and carry lyrics of eloquent and graceful rage. No two-chord thrash with shouting over the top.

Go back. Listen to everything. From the very beginning to now, with the forthcoming release of new album ‘Counterculture?’, the much-anticipated follow-up to 2016’s incendiary ‘Music Must Destroy’ album.

Counterculture. Now is the time. Was there ever an age with more reason to rebel?

Counterculture. Do not think you can simply buy a way in.

To Counter; to push against, to oppose and redress. By being a spectator, you are NOT a part of the counterculture.

“Counterculture? For us, it never went away,” says bassist and vocalist John ‘Segs’ Jennings. “We’ve always been on the outside and still are. It’s ok to be a freak. That’s why The Ruts started in the first place. If it’s still inside you, it’s time to light that flame again. Get to know what you don’t know. Come and borrow my lighter.”

Drums and Bass building the defence wall. Guitar and whatever else lobbed in stun/attack mode. That is Ruts DC. That is all you really need to know.

People unite.

‘Counterculture?’ was officially released into the shops across Europe on April 21^st 2023 via Sosumi Recordings/Code 7 Distribution.

Never Surrender.

Präsentiert von Nochtspeicher & YEEHAW Hamburg.

Nach der Selbstveröffentlichung ihres Debütalbums „Dear Dead Days“ aus dem Jahr 2019 und ihrer Überraschungs-EP „Highway Sounds“ aus dem Jahr 2022 wächst eine kultartige Faszination um Kassi Valazza. Sie steht an der Spitze der neuen amerikanischen Songwriter, die den Klang der Country-Musik stärken und erweitern, während sie mit gefeierten Acts wie Melissa Carper und Riddy Arman auf Tour geht. Die gebürtige Südwestlerin lebt in Portland, einer Hochburg von Songwritern, die Alben produzieren, die sowohl die Fackel der amerikanischen Roots-Musik tragen als auch den Bogen spannen, wo sie kürzlich bei Fluff & Gravy Records unterschrieben hat – einem Label, das für die Gründung von Anna Tivel und Margo Cilker bekannt ist.

Valazzas bevorstehendes neues Album „Kassi Valazza Knows Nothing“ ist eine faszinierende Sammlung von Songs, die wie schützende magische Talismane baumeln und Träume und glitzerndes Licht einfangen. Sie hypnotisiert die Zuhörer mit einer kräftigen, aber sanften Stimme und einem malerischen Songwriting, das von einem unabhängigen Geist durchdrungen ist. Obwohl ihre Musik eine Country-Verwandtschaft zum britischen Folk hat und an Größen wie Sandy Denny (Fairport Convention) und Karen Dalton erinnert, bahnt sich ein südwestamerikanischer Touch ihren Weg durch diese feierlichen, süß gesungenen Melodien wie eine Schlucht.

It’s been a whirlwind few years for Movements as evidenced by the fact that band’s 2020 album Nothing Good Left to Give debuted at #3 on the Alternative chart and their streams have doubled since then with 200 million total streams in the U.S. alone. However despite their success, the Southern Californian act have constantly reinvented themselves since forming in 2015 and the band’s third full-length RUCKUS! sees the post-hardcore quartet taking their sound to expansive and sometimes unexpected places. Produced by longtime collaborator Will Yip (Circa Survive, Code Orange), the album fuses post-hardcore and punk influences with a healthy dose of pop songcraft to create an album that defies scene conventions in favor of something wholly unique. In order to accomplish this, the band—which features vocalist Patrick Miranda, guitarist Ira George, drummer Spencer York and bassist Austin Cressey—made three extended trips to Yip’s Studio 4 in Conshohocken, Pennsylvania, to write and record the collection of songs that would end up as RUCKUS! “I truly don’t believe that it could have been a more streamlined process and I don’t think we’ve ever written music that’s as good as what we put together for this record,” Miranda explains. From the distorted grind of “Lead Pipe” to the syncopated groove of “Killing Time” and pop splendor of “Tightrope,” RUCKUS! sees the band integrating decidedly different influences such as Gorillaz and Strokes into their sound to challenge people’s preconceptions of their sound.

Präsentiert von event., kulturnews und MusikBlog.de.

Gerade mal neun Monate ist es her, seitdem Matt Maeson sein zweites Erfolgsalbum „Never Had To Leave“ veröffentlicht hat, schon kündigt der Amerikaner aus Virginia eine Reihe weiterer Songs an. „Rational“ sei nur der erste von mehreren neuen Tracks an denen er arbeite. Das Stück handelt auf deutliche Weise von der mentalen Gesundheit des Sängers: „Ich denke, die Lyrics erklären sich selbst. Ich war sehr angespannt, ich hatte mich so überarbeitet, dass ich in diese Art mentaler Episode kam. Ich fühlte mich positiv, als ob es mir gut ginge, und plötzlich wurde ich extrem unsicher.

Aus dieser Unsicherheit erwuchs Wut, und diese Wut zeigte sich in irrationalem Verhalten. Ich muss darauf achten und versuchen, mich daran zu erinnern, dass es nur vorübergehend ist. Es ist viel schwieriger, aus diesen Gruben herauszukommen, als hineinzufallen.“ Maeson findet in der im Mai erschienen Single die passenden Worte für diesen Zustand, den viele kennen werden. Wie man sich von seinem Körper abkoppelt, neben sich steht. Er taucht tief in seine Persönlichkeit ein und fragt sich, wie seine Gefühle ihn dazu bringen, Dinge für wahr zu nehmen, die es gar nicht sind: „All is confusion, is just an illusion.“ „Rational“ ist ein starker Song, der sich nahtlos in Maesons Werk einreiht.

Auf bislang zwei Alben hat er es sich zum Gesetz gemacht, ganz ehrliche Geschichten zu erzählen, nichts zurückzuhalten und in die tiefsten Tiefen zu tauchen. Mit dem 2019 erschienenen „Bank On A Funeral“ schrieb er Geschichte als erster männlicher Solokünstler, der mit seinem Debütalbum gleich mit zwei Songs in den Alternative-Radio-Charts auf die eins ging, den ebenfalls bekenntnisreichen Singles „Hallucinogenics“ und „Cringe“, die beide mit Platin ausgezeichnet wurden.

Für Maeson sind Songs wie Selbstgespräche, sie zu schreiben sei ein therapeutischer Moment. Genauso dicht klingen sie auch, zumal er stets ein überzeugendes musikalisches Mittel findet, seine Gedanken und Gefühle in einen zwingenden Sound zu übersetzen.

Mehr als drei Jahre ist es her, dass die norwegische Band Lüt ihr umjubeltes zweites Album ›Mersmak‹ veröffentlicht hat, und seitdem hat sich im Lüt-Lager einiges getan. Nachdem sie Die Ärzte im Sommer 2022 dreimal auf persönliche Einladung hin unterstützt hatten, verließ ihr ehemaliger Sänger Markus Danjord die Band im letzten Jahr, um sich seiner beruflichen Karriere zu widmen. Der natürliche Nachfolger und neue Sänger der Band ist Gitarrist Mads Ystmark, der mit seiner unglaublichen Bühnenpräsenz der perfekte Frontmann zu sein scheint. Derzeit befindet sich die Band im Studio, um ein neues Album aufzunehmen, welches 2024 erscheinen soll.

Das Projekt FRIEDBERG
entstand aus der Vision heraus, einen völlig neuen Sound für die in London lebende und in Österreich geborene
Anna Friedberg (Autorin, Gesang, Gitarre) zu kreieren und wird von einer herausragenden Besetzung aus den Tourmusikerinnen, Emily Linden (Gitarre, Gesang),Cheryl Pinero (Bass, Gesang) und Laura Williams (Schlagzeug) unterstützt, um genau das zu entwickeln.

FRIEDBERG bedeutet wörtlich übersetzt „friedlicher Berg“, aber das ist weit entfernt von dem frenetischen und lebhaften Sound von Annas kolossalem neuen Projekt und der Debüt-EP Yeah Yeah Yeah Yeah Yeah Yeah Yeah Yeah; aufgenommen zu gleichen Teilen in Berlin und London mit Daniel Brandt (Brandt Brauer Frick), Matthias Biermann (Roosevelt) und Matt Allchin (Florence & The Machine, Soak, George Ezra).

Im vergangenen Jahr verfeinerte die Band ihren Sound mit ihrer Debüt-EP, die stark von der New Yorker Band ESG aus den 1980er Jahren und dem minimalistischen, perkussiven Stil von LCD Soundsystem beeinflusst war. Anna näherte sich den neuen Songs mit einem Gespür für Rhythmus, der die Energie ihrer hochgelobten Live-Shows prägt. Daraus folgten
vier weitere Nr. 1 auf FM4, unterstützt von 6music, Radio 1, Radio X, Triple J (Australien), Primavera Radio (ES), KCRW (US), Deutschlandfunknova, Flux FM, You FM und Radio Eins (Deutsch), Unterstützung von Steve Lamacq bei BBC Recommends und unglaubliche Kritiken in der Sunday Times, den Forty-Five, Glamour, Mystic Sons und mehr.

2022 trat Friedberg bei Eurosonic (ARTE TV Live Session), auf dem Open Air St. Gallen (Schweiz), Europavox (3 Shows–Frankreich, Litauen, Kroatien), Popfest Vienna (Headliner), Haldern Pop Hauptbühne (Deutschland) und Heimspiel Knyphausen (Deutschland) auf. Darauf folgten das Reeperbahn Festival und eine US-Tour mit Hot Chip, die sie auch an der
Brixton Academy in London unterstützten. Anna arbeitet derzeit mit
Dan Carey, Joe Goddard und Al Doyle von Hot Chip sowie dem Londoner Produzenten Oli Bayston an neuer Musik und wird mit FRIEDBERG im August/September AnnenMayKantereit bei fünf Open Air Shows supporten.
Am 21. November dürfen wir das Quartett im Nochtspeicher begrüßen.

Mit ihrer eskapistischen Mischung aus Post-Punk, Alt-Rock und verführerischem Pop-Songwriting ist Friedbergs Sound wie geschaffen für eine Nacht im Freien: „I hear the trees applaud as we ride by“. Das Projekt selbst entstand aus der Vision, einen völlig neuen Sound für die in London lebende Anna Friedberg (Autorin, Gesang, Kuhglocke, Gitarre und noch mehr Kuhglocke) zu kreieren.

Unterstützt von einer hervorragenden Besetzung von Musikerinnen, Emily Linden (Gitarre, Gesang), Cheryl Pinero (Bass, Gesang) und Laura Williams (Schlagzeug), entwickeln sie genau das. Musik, die einem sofort vertraut ist, aber auch wie nichts, was man je zuvor gehört hat. 2019 veröffentlichte Friedberg erstmals Musik in Form von zwei viel beachteten Singles, welche umgehend die Aufmerksamkeit aller auf sich zogen, die sie hörten. Innerhalb des letzten Jahres ist das Quartett weiter zusammengewachsen, hat mit seinen unterschiedlichen Fähigkeiten und Talenten experimentiert, seinen unverwechselbaren Sound verfeinert und seine bereits hochgelobte Live-Show ausgefeilt.

Mit europäischen Headline-Shows und Festival-Slots (Reeperbahn Festival, Eurosonic Norderslaag, BBC Introducing etc.) hat sich Friedberg bereits einen Ruf als einer der aufregendsten neuen Acts erworben, die es derzeit gibt. Darüber hinaus gab es europaweit beeindruckenden Support aus dem Radio, darunter über 6.000 Plays von u.a. Radio 1, 6 Music und Radio X in Großbritannien, während die Band ingesamt über 6,5 Millionen Streams verzeichnen konnte.

Hinter dem Namen Hidden Orchestra verbirgt sich ein imaginäres Orchester, welches im Studio des Multiinstrumentalisten/Komponisten/Produzenten Joe Acheson aus vielen Einzelaufnahmen von Gastmusikern unterschiedlichster Herkunft zusammengestellt und mit mit Field-Recordings, Bass und komplexen Percussions kombiniert wurde.

Neben den Solo-Studioalben war aber auch eine Live-Band von Anfang an ein integraler Bestandteil des Projekts. Die Musik ist ein Schmelztiegel von Joes äußerst vielfältigen musikalischen Erfahrungen und Einflüssen aus einer Reihe von Genres aus aller Welt und über alle Zeiten hinweg. Elektronische Musik verbindet sich dabei mit akustischen Instrumenten und natürlichen Klängen. Musik, die auf Kontrasten aufbaut, gleichzeitig ängstlich und beruhigend, dunkel und hell, schnell und langsam - voller abstrakter Emotionen, die offen für die Interpretation des Zuhörers sind.

2022 kehrte die Live-Band Hidden Orchestra zu ihren AV-Shows zurück, nachdem Joe in zuvor den preisgekrönten Soundtrack für das Computerspiel Creaks für das tschechische Kult-Studio AmanitaDesign auf Decca veröffentlichte. Ein Album auf der neben Sängerin Cerys Matthews und zehn der bekanntesten britischen Dichter auch eine Reihe von Klang- und Musikinstallationen und Field Recordings im botanischen Wald von Kew Gardens in Wakehurst auftauchen.

Die Live-Band besteht aus Joe am Bass und diversen elektronischen Instrumenten, Schlagzeuger Jamie Graham und einer Reihe virtuoser Live-Gäste aus den Albumaufnahmen, darunter Jack McNeill (Klarinetten), Becky Knight (Cello) und Poppy Ackroyd (Klavier). Tom Newell von Limbic Cinema kreiert zudem live auf der Bühne beeindruckende visuelle Effekte.

Die schottische Band Vistas besteht aus Sänger Prentice Robertson, Gitarrist Dylan Rush und Bassist Jamie Law – sie haben sich mit ihren unermüdlichen Auftritten in ganz Großbritannien einen Namen gemacht und ihre chaotische, lebensbejahende Show wird durch Mundpropaganda weithin verbreitet.

Unterstützt durch eine Vielzahl fröhlicher, hymnischer Singles wie „Retrospect“, „Calm“ und „Tigerblood“ und mit mehr als 100 Millionen Plays der in den letzten drei Jahren veröffentlichten Songs haben sie Unterstützung von Künstlern wie Jack Saunders, Clara Amfo und Huw Stephens bei Radio 1. Nach zwei von der Kritik gefeierten Top-40-Alben hat die Band ihren Status als eine der vielversprechendsten Indie-Bands im Vereinigten Königreich bestätigt.

Ihr Tourkalender umfasst ausverkaufte Tourneen und Support-Slots neben Künstlern wie The Wombats, Circa Waves und The Courteeners, wobei die Band auf der Bühne fest zu Hause ist. Auf ihrer letzten Headliner-Tournee spielte die Band ihre bisher größten Shows und füllte zwei Barrowland Ballrooms in Glasgow sowie ausverkaufte Veranstaltungsorte im ganzen Land aus.

Präsentiert von kulturnews.

Ratboys have been recording and releasing music for over a decade, but their newest album, The Window, marks the first time they’d ever traveled outside their home base of Chicago to make a record, journeying to the Hall of Justice Recording Studio in Seattle to work with producer Chris Walla. The sessions with Walla (Death Cab for Cutie, Tegan and Sara, Foxing) struck the perfect balance between preparation and experimentation, injecting new life into the band’s style of soft-hearted Midwestern indie rock with an ever so subtle Americana twist. The solidified Ratboys lineup stretched and expanded their vision in the studio, adding unexpected elements and instruments like rototoms, talkboxes, and fiddles. The result is Ratboys’ most sonically diverse record, shifting wildly from track to track. It flexes everything from fuzzy power pop choruses on “Crossed That Line” and “It’s Alive!” to a warm country twang on “Morning Zoo” to mournful folk on the titular track. After more than ten years and four studio albums, The Window finally captures Ratboys as they were always meant to be heard—expansive while still intimate, audacious while still tender—the sound of four friends operating as a single, cohesive unit.

PhotoCredit: Alexa Viscius

To an artist without the creative energy and laser-focused determination of Elles Bailey, it could all have been very different. But when you're the hardest-working woman in blues, rock and roots music, not even the tumultuous world events of the past two years were going to stop you from writing several new chapters in a remarkable story.

The Bristol-based singer, songwriter and bandleader, who has powered her way to the forefront of the British blues and roots scene in recent years, is excited to unveil her eagerly-awaited third album Shining in the Half Light. Crammed with vibrant originals brought to life with her A-list band, it's yet another significant step forward in a career already feted with awards and acclaim generated by her two previous studio sets, 2017's Wildfire and 2019's Road I Call Home. 

Shining in the Half Light arrives on the heels of Bailey's typically extensive autumn tour of the UK and such preview tracks as 'Cheats and Liars' and 'Sunshine City.' For anyone who loves their combination of thought-provoking bluesiness and sassy rock, there is so much more where they come from. These are ten new tracks by an artist who, as she sings in 'The Game,' always dances to the beat of her own blues. She co-wrote the entire album with a variety of collaborators and recorded it in Devon, with her band and producer Dan Weller. Tracking was completed just weeks before Elles gave birth to her first child and she sat in the hospital waiting room listening to mixes on the big day!

The height of the pandemic also gave rise to her series of cover version livestreams, Ain't Nothing But. The ensuing record was nominated as Blues Album of the Year at the UKBlues Awards 2021, where Elles was named UK Blues Artist of the Year for the 2nd year running. Let's also remember that Road I Call Home, recorded in Nashville, had been crowned Album of the Year at those awards, and its song 'Little Piece of Heaven' (written with American greats Bobby Wood and Dan Auerbach) was UK Song of the Year at the UK Americana Awards 2020.

For the new listeners that Elles attracts with every play, that voice was the silver lining of a potentially grave illness, when at just three years old, she contracted viral and bacterial pneumonia, and had to breathe through a tube for 17 days. “Only with the real heavy touring did I start to really understand that it's such a big part of me,” she reflects. “I know how fortunate I am that I walked away with a husky voice. And my life.”

After residencies on the Bristol scene, her first EP Who I Am To Me came out in 2015, followed two years later by that full Wildfire debut. It was an exhilarating confirmation of a unique talent already marking her card with passionate, visceral live shows. Two more years of touring and writing later, Road I Call Home arrived as a remarkable companion with all the fire of the first set, plus maturity, perspective and downright soulfulness.

Now back to the future, and the title of the new album. “It's called Shining in the Half Light because there we all were, in this time of complete uncertainty, worry and isolation, and yet artists were still putting themselves on a screen, warts and all, and that brought people together,” says Elles. “I was so inspired by all the musicians, poets, artists and everyone who were like, 'I don't quite know how to do me in this time, but I'm going to try anyway.' That to me is what the album is about. It is a record inspired by those who spread love in a time of heartbreak, happiness in a time of fear & connection in a time of loneliness.

Lyrically, Bailey has never pulled punches, and this time she's delivering knockout blows. Take 'Cheats and Liars.' “It's about the people in their ivory towers who made us feel like the arts don't really matter, and to go and retrain,” she says. “Thirty-eight percent of musicians, including myself, didn't get any kind of government funding, and some people lost everything. It's been so hard watching how arts has been undervalued at a time when that was what was bringing people together.”

For an artist who lives for live performance, lockdown brought its share of challenges, of course. Suddenly and unavoidably, after gigging her way to prominence over several years, the road she called home was home. But as ever, she turned it into a positive.
“It's the first full album I've made here in the UK, I was 6 months pregnant when I made it, and it was made right in the middle of lockdown,” she exclaims. “It still sounds like an Elles Bailey record, but it does feel like it's expanded and been given a new perspective.”

The record was made throughout December 2020, doing a week of pre-production followed by nine days in Middle Farm in Devon. “It was a very different, yet exceedingly fulfilling experience,” she admits. “I've made records in Nashville and I was going to make this album there in May 2020, but obviously that couldn't happen. But I knew I had an amazing band here that could do an incredible job on this record, I just needed to find the right producer.

The search for a like-minded collaborator led her to rock producer Dan Weller, best known for his long working relationship with Enter Shikari. “He's not in my musical world at all, so that in itself was a huge step into the unknown” she confides. “But we chatted on the phone a lot through the summer, and just clicked. We both seemed to be on the same page with what we wanted to achieve from the album, and how best to go about it. I had about 40 songs, probably, and it was a case of really shaking the tree until we got these ten tracks. Then we just got in a room, played live and let the musicians do their thing, and built it that way.” 

The musicians that feature are Joe Wilkins on guitar, Jonny Henderson on ivories, Matthew Waer on bass duties and Matthew Jones on drums. The finishing touches were then added by artist Izo Fitzroy who brought Andrusilla Mosely and Jade Elliot on board to immerse the album in their stunning, gospel-inspired backing vocals.  

An exciting team of co-writers came on board, too, with three credits for Ash Tucker & Will Edmunds, who also wrote with Elles for Road I Call Home. She teamed with longtime guitarist Joe Wilkins to write the slow-flowing, philosophical 'Riding Out The Storm.' Other kindred spirits include guitar maestro Martin Harley, for the gentle and romantic 'Different Kind Of Love,' and Matt Owens, co-founder of the hugely successful indie-folk outfit Noah and the Whale, on the aforementioned 'Sunshine City'. Alex Maile, Tamara Stewart and Brett Boyett also have one each.  

The album comes to a striking conclusion with its title track, co-written with Nashvilles, Craig Lackey, over zoom in May 2020. Its message, and its description of the time in which it was made, are delivered with restrained power. “Feel like we’re living where we can’t be seen,” sings Elles. “Here we are lost in the in-between, reaching out to each other through a cold glass screen, losing our grip on a dystopian dream.”  As she says: “That's probably the only time that I was as direct as that. It's an album inspired and made in ‘lockdowns’, but I'm quite glad that it doesn't give that away too much.” 

Shining In The Half Light is an album of self-realisation, but one that lets everyone share in its sense of realism and, ultimately, positivity. “It's a new perspective for me,” says Elles. “I have no idea what it would have taken to get me off the road. I think I would have found it really tough, taking time off to have a baby and watching everyone else still doing their thing. So the fact that there was this forced stop, gave me the time to shift my perspective, and that’s what this record is all about. 

“This album has been about getting to know who I am without the show, the stage and the splendour,” she concludes. “unraveling the layers and being ok with them, and learning to love each and every version of myself, and of course getting to know this new version, being a mum! This whole record has been about finding a new way to do things, and seeing the blessings I have right in front of me. That's been really weight-lifting and refreshing.” 

Komm rum, lass laufen! Als in den 60ern die Doors gefragt wurden, wie ihre Musik einzuordnen sei, welches Genre, sagten sie so etwas wie es sei nun einmal Musik und gehe in die allgemeine Seele des Musikwahrnehmens über. Welche Band wurde noch nicht gefragt wie denn ihre Musik nun heiße - die Eindeutigen, die, die bereits sagten, was sie da tun, vielleicht nicht... Das einzige, was bei Botticelli Baby klar ist, ist, dass es die meisten, die auf einem ihrer Konzerte waren, die Frage nach dem Genre nicht mehr interessieren wird, wenn sie erlebt haben, wie sieben Musiker auf die Bühne kamen und nach einer Stunde etwa schweißgebadet ihre Verbeugung vollziehen und Staunen zurücklassen. Es steht ein BOAH im prallen Raum. Alter egal. Aussehen egal. Geschlecht egal. Was höre ich sonst so - egal. Nur braucht es einen offenen Geist, tief verborgen oder offensichtlich. Denn es gibt viele Lagen, die diese Band ausmachen. Wer Musik liebt, wird Musiker erleben, wer lachen will wird lachen, wer abzappeln will wird tanzen können, wer traurig ist wird weinen oder getröstet werden.

„Lovely ends winter,
lovely starts spring,
lovely ends love,
lovely starts hate,
lovely ends universe,
lovely starts soul“

In den Jahren ihres Spielens, haben sich Liebespaare gefunden, Folgebands gegründet, Platten verkauft, Autos sind kaputt gegangen und Hotelpools wurden getestet. Bühnen wurden mit der Spur besprüht, die kaum zu fassen ist. Das vierte Studio Album „BOAH“ nimmt Kurs auf die Erdbevölkerung und fegt den eigenen Staub erneut ab. Der Körper steigt aus den letzten Jahren und der warmen Badewanne empor in das brühwarme Hitzefutur mutmaßlicher Anhängerscharen, um wieder alles zum Kochen zu bringen...Hä? Ja, komm rum und lass laufen.

Präsentiert von kulturnews.

Rob Heron & The Tea Pad Orchestra überschreiten seit über einem Jahrzehnt fröhlich Genregrenzen und mischen Western Swing, Blues, Country, Rock & Roll, Soul und mehr in ihr musikalisches Schaffen ein, klingen aber immer größtenteils genau wie sie selbst.

Mit Sitz in Newcastle, aber aus ganz Großbritannien stammend, haben die Tea Pad‘s vor ihrem neuen Longplayer „The Party's Over“ vier Alben veröffentlicht und sind durch UK und Europa getourt, wobei sie überall gespielt haben, von Glastonbury und Cambridge Folk Festival bis hin zu Dorfhallen und Scheunen. Sie haben Support-Touren für namhafte Americana-Bands wie Pokey LaFarge, The Dead South und Sierra Ferrell gemacht, Musik auf dem deutschen Label Migraine Records veröffentlicht und sind dreimal bei Loose Ends von Radio 4 aufgetreten.

Auf ihren vier Studioalben – „Money Isn’t Everything“ aus dem Jahr 2012 und „Talk About The“ aus dem Jahr 2014 „Weather“, „Something Blue“ aus dem Jahr 2016 und „Soul Of My City“ aus dem Jahr 2019, hat die Band ihrem Sound ständig neue Geschmacksrichtungen hinzugefügt: Insbesondere Heron ist ein Vinyl-Besessener, der sich immer für eine neue Leidenschaft begeistert – Calypso oder Boogaloo oder was auch immer die Woche bringt – aber vor allem begeistert sie sich für obskuren Blues und Country, und dieser Eklektizismus und die Suche nach neuen Sounds fließen permanent in ihre Songs ein.

Im September 2022 wurde ihr fünftes Studioalbum „The Party’s Over“ veröffentlicht, das ihre charakteristische Mischung aus klassischem Country und Rhythm ‚n‘ Blues auf ein neues Niveau hebt. Nach einem Jahrzehnt, in dem sie ihr Handwerk verfeinert haben, könnte dies das bisher beste Album sein!

Piqued Jacks sind pure Energie. Sie liefern Alt-Rock aus Italien mit internationaler Ausdruckskraft. Mit ihrer letzten Single „Like an Animal“ haben sie San Marino beim Eurovision Song Contest 2023 vertreten. Im Rahmen ihrer „Like an Animal – Tour 2023“ kommt die Band nun erstmals nach Deutschland und wird am 03.12.2023 in Berlin sowie am 04.12.2023 in Hamburg gastieren. Durch ihren einzigartigen Stil, den unwiderstehlichen Groove und Gitarrenmusik in bester Britpop-Manier werden sie für ganz besondere Live-Momente sorgen. Tickets gibt es ab dem 23.08.2023, um 9 Uhr unter www.eventim.de und an allen bekannten Vorverkaufsstellen.

Die aus dem toskanischen Pistoia stammende Formation Piqued Jacks besteht aus Leadsänger E-King, Gitarrist Majic-o, Bassist littleladle und Drummer HolyHargot. Zu ihren größten Einflüssen zählen Biffy Clyro, The Killers, Nothing But Thieves und Incubus. Seit 2006 machen sie gemeinsam Musik und blicken neben zahlreichen Alben-, EP- und Single-Veröffentlichungen auf jede Menge Live-Erfahrungen zurück. Sie standen bereits als Vorband für Größen wie Interpol, Chevellle und Balthazar auf der Bühne. Hinzu kommen Auftritte bei einigen der angesagtesten Showcase-Festivals wie dem Eurosonic 2023, Linecheck, SXSW sowie dem Mondo NYC. Im vergangenen Jahr traten sie zudem als erster italienischer Act beim Summerfest - World's Largest Festival in Milwaukee auf, ebenso wie bei der Musexpo in Los Angeles, dem Lechlade Festival in Großbritannien und dem Living Rock in Rumänien.

Zu Beginn des Jahres nahm die Band am san-marinesischen Vorentscheid für den Eurovision Song Contest 2023, Una Voce per San Marino, teil. Im Finale am 25. Februar krönte die Jury die Piqued Jacks zu den Gewinnern des Wettbewerbs, weshalb sie das Land beim ESC 2023 in Liverpool, mit ihrem Song „Like an Animal“, vertreten durften. Der fröhliche Song bricht mit allem, was San Marino bis dato zum Eurovision Song Contest geschickt hat, und spricht ein junges, alternatives Publikum an.

Ihr aktuelles, von Julian Emery (Nothing But Thieves), Brett Shaw (Florence + The Machine) und Dan Weller (Enter Shikari) produziertes, viertes Studioalbum „Synchronizer“ wurde sowohl von der nationalen („Jeder Song ist ein potenzieller Hit" - Classic Rock Magazine) als auch von der internationalen Presse (u.a. BBC Radio) hochgelobt. Zur Release-Party des Albums tat die Band etwas noch nie Dagewesenes: Sie sprang mit dem Fallschirm aus einer Höhe von 4300 Metern ab und spielte die komplette Tracklist live auf der Landebahn. Mindestens genauso spektakulär wird es, wenn die Piqued Jacks im Dezember 2023 für zwei fesselnde Konzerte nach Deutschland kommen. Nichts kann und wird sie davon abhalten, eine energiegeladene Live-Show hinzulegen und eine aufregende Zeit mit ihren Fans zu verbringen.

PhotoCredit: Aurora Cesari